Eita! E as séries dramáticas super produzidas e com elenco enorme e variado estão na moda desde o sucesso estrondoso de “Lost”. A mais nova candidata à adoração imediata do público é a ambiciosa “Heroes”, da rede de TV americana NBC. As semelhanças com o mega-hit do canal ABC não param por aí, a mais evidente, além do que já foi citado, é que os personagens estão ligados por algumas coincidências – que, claro, podem não ser apenas coincidências. Alguns já a criticam por achar que se trata de uma cópia-liquidificador de “Lost” com “X-men”. No entanto, mesmo considerando que a série se apropria dos elementos que atualmente arremessam seriados ao sucesso absoluto, isso não faz dela automaticamente uma obra ruim. “Lost”, como já discuti aqui mesmo no blog seteventos.org, também se apropriou de idéias anteriormente existentes. O segredo do sucesso da série está na forma como clichês e idéias pré-existentes foram transformadas e tratadas na construção do argumento e, em um do mais claros processos de antropofagia cultural na história da televisão americana, reverterem em uma obra com sua própria identidade. É cedo – apenas um episódio até o momento – para dizer que “Heroes” faz o mesmo, mas a impressão que fica é que os produtores vão trabalhar de maneira semelhante.
A estréia é apenas no dia 11 de setembro– opa, a data de lançamento é bem emblemática para uma série com esse nome, não? -, mas o episódio já vazou para a internet. E o primeiro capítulo é bastante promissor – fiquei animadíssimo para ver a sequência. Prefiro não revelar muito – como costumo fazer com minhas resenhas de filmes e até mesmo porque não há muito o que revelar sobre o capítulo: o piloto apenas apresenta o maior número de personagens possível e revela algumas das capacidade de cada um e um breve painel de seus dramas pessoais, bem como apresenta rapidamente um misterioso senhor que está tentando reunir informações sobre todos eles para propósitos não-altruístas e o seu oponente, o professor Xavier – ops! -, digo, o professor indiano. A abertura do capítulo – fenomenal – é claramente inspirada em uma das cenas mais famosas do mediano “Cidade do Anjos”, e repete-se com um climax absurdamente surpreendente no final do episódio. Com relação aos personagens, mesmo à primeira vista e sem a apresentação de todos os integrantes da estória, posso afirmar que, para uma primeira parte, eles cativaram bastante e os diversos mistérios que rondam a capacidade extraordinária de cada personagem, bem como o misterioso destino que eles juntos enfrentarão, consegue desperta a curiosidade do público. Entre os personagens, cuja extensão da capacidade mutante de alguns ainda não foi bem esclarecida, temos mais uma semelhança à moda “Lost”: assim como o Hurley daquela ilha perdida no oceano, o japonês que tem a capacidade de manipular o tempo e o espaço é a fonte de humor dos episódios – estranho como todo oriental aos olhos do ocidente, o cara é otaku e aficionado por quadrinhos. É ele, inclusive, que fica responsável pela citação, sem qualquer constrangimento, da fonte de inspiração maior do seriado, quando ele lembra em uma sequência um acontecimento relacionado à Kitty Pride, citando, inclusive, o número da edição de “X-Men” – número 143, para os que ficaram curiosos. Além do personagem que vai proporcionar a verve humorística dos episódios – se supõe, claro -, os outros também chamam a atenção: a líder de torcida dotada de invulnerabilidade não é apenas uma patricinha, ela tem lá seus dramas; a mãe solteira às voltas com um alter-ego violento no espelho é meio porra-louca; o pintor-vidente é um adicto algo masoquista, e os dois irmãos que se adoram mas não se entendem com facilidade, um enfermeiro altruísta e o outro um político supostamente egocêntrico, tem suas surpresas, particularmente no fim do episódio. O antagonista da trama deixou-me confuso, mas nada que dois ou três episódios não esclareçam. Caindo na mais desparatada superficialidade sobre os personagens, só o político, interpretado por Adrian Pasdar, tem seu charme para mim, até o momento – o irmão também não é de se jogar fora.
Obrigatória para qualquer um que ame seriados americanos, essa estréia é para ser acompanhada ansiosamente desde já, torcendo para que o seriado faça mesmo sucesso e ganhe fôlego para vencer o fantasma da primeira temporada. Se depender somente da dedicação da bárbara equipe do Lost Brasil, o sucesso já está garantido – à maneira do mega portal brasileiro sobre o seriado da ABC, “Heroes” também já tem espaço prometido na comunidade brasileira da internet. Então, agendem seus downloads e vamos preparar as dicussões.
E como seteventos.org é assumidamente a favor da divulgação de tudo o que tem qualidade na indústria cultural, aproveite o link abaixo e pegue já o badalado primeiro episódio de “Heroes”, no formato RMVB e já com legendas em português– eu amo a internet!
http://up-file.com/download/0bf811858393/Heroes.100.DVDSCR.rmvb.html
8 ComentáriosOBSERVAÇÕES:
Como baixar do UP-FILE:
a) procure, mais ou menos no meio da página, logo abaixo do logo do Firefox com Google Toolbar, três pequenos links azuis que parecem apenas propaganda. O último deles é o link que ativa a contagem regressiva. Clique nele;
b) após a contagem regressiva, que surge logo abaixo do mesmo logo do Mozilla Firefox, clique no texto “Click here to start download..”
c) salve o arquivoOU simplesmente clique com o botão direito do mouse SOBRE ESTE LINK e selecione do menu “salvar destino/arquivo como..”
Descobri esta manhã que Toni Collette vai lançar, junto uma banda chamada “The Finish”, um álbum. Não fazia idéia disso. Bem, já que tratei aqui de explicitar minha ignorância sobre o fato, me encarrego agora de ajudar a esclarecer ainda mais a situação para aqueles que, como eu, foram surpreendidos pela notícia. Apesar do álbum ainda não ter sido lançado, o vídeo do primeiro single, “Beautiful Awkward Pictures”, já foi feito, e a moça mesmo é que liberou o arquivo no “You Tube” – impressionante como em um espaço de apenas dez anos a internet transformou-se em um mídia poderosa, não?
A banda Smashing Pumpkins tem uma história de existência meio turbulenta e confusa, brigas internas levaram a banda a perder membros, que mais tarde retornarm depois de algum tempo. Tendo sido declarado o fim da banda depois do lançamento de Machina/The Machines of God. Neste ano foi declarado o retorno da banda, que grava neste momento um novo disco – resta saber quem é o Smashing Pumpkins agora, já que James Iha e D’arcy já declararam não estar interessados em fazer parte do retorno.
No período das sessões de from the choirgirl hotel, disco soturno e intimista, e da turnê Plugged ’98, que teve enorme sucesso, Tori Amos resolveu colocar um fim na vida de solteira, casando-se com seu engenheiro de som, e conseguiu ter uma filha. Em uma artista cujo trabalho é altamente influenciado por acontecimentos de sua vida pessoal e de sua visão de mundo, isso não iria passar sem ter reflexos em sua música. Como a cantora americana entrou definitivamente em um período de tranquilidade e ausência de conflitos, esta calma e plenitude se refletiu na trabalho como um todo: os dramas pessoais, que antes envolviam cada disco tematicamente, agora cedem lugar a uma variação maior de temas mais universais e menos relativos tão somente à realidade de Tori.
Em um pequeno vilarejo da Espanha, onde a vida é ditada pelo prefeito carola, uma mulher, mãe solteira e nômade assumida, chega na cidade para montar sua “chocolateria” e choca a sizuda população com seu estilo de vida despreocupado e inconsequente. Porém, a medida que a população se rende aos encantos dos chocolate e à simpatia de quem os produz, todos começam a questionar suas vidas e começam a modificá-las.
Este é um clipe estranho: um vídeo difícil de encontrar na internet – o que me levou à uma verdadeira peregrinação até chegar ao MSN e descobrir como baixá-lo de lá -, de produção enxutíssima, de um artista como Elton John, pelo qual já nutri algum gosto, mas que perdeu qualquer interesse para mim desde que começou a requentar músicas em funerais, com uma música que não é nada de mais…nada disso deveria chamar a minha atenção. Mas o charme aqui tem uma só fonte: a participação algo supreendente do ator americano Robert Downey Jr. E o mérito é todinho dele: de maneira despretensiosa, com um cantar algo murmurante, o ator vagueia por uma mansão incomodamente vazia e iluminada pela luz do sol, dublando a voz de Elton John em uma única tomada, sem cortes. Mesmo não sendo exatamente bonito, o rapaz – bem, ele já não é mais um rapazinho – é muito charmoso e, além disso, conta a seu favor o fato de ser um cara totalmente fora do padrão certinho e super-família dos astros americanos: ele já foi preso por uso de drogas e ainda foi confirmado como tendo distúrbio bipolar e ser maníaco-depressivo. E depois de anos de encrencas e um bom tempo na prisão, o cara ainda consegue angariar a simpatia do público, mesmo em um clipe simples e dublando uma música de Elton John! – isso é mais do que suficiente para mostrar que o rapaz tem grande carisma mesmo. Baixe já o vídeo pelo link abaixo.
Em 1995 o diretor Richard Linklater produziu um clássico cult chamado “Antes do Amanhecer”. O projeto, apesar de independente, extremamente simples e concentrar-se em apenas dois jovens atores – o americano Ethan Hawke e a francesa Julie Delpy – era super ambicioso: o argumento resumia-se tão somente a um casal de estrangeiros que se “esbarram” por um acaso em uma viagem de trem para Viena e decidem – já que dispõe de tempo livre até o próximo amanhecer, quando retornarão para seus respectivos países – passear pela capital austríaca e travar um desvendamento de suas personalidades – tudo na brevidade do tempo que eles dispõe. Nove anos depois, uma sequência é produzida, preservando praticamente a mesma estrutura do primeiro filme: os dois personagens se reencontram, ambos mais velhos, bem menos ingênuos e com uma experiência de vida já formada; Jesse é um escritor, tem um filho, casado por puro conformismo social e Celine é uma ativista ambiental algo neurótica e compositora nas horas vagas. Assim, enquanto eles passeiam pela cidade, travam discussões sobre uma vastidão de assuntos, filosofando sobre política, sexo, amor, a condição humana, a morte, o envelhecimento, relações afetivas, desilusão, frustação, a inevitabilidade de pequenas decisões na vida futura. É a repetição da mesma fórmula do primeiro filme. E, deste modo, a sequência repete o mesmo erro do filme original: o universo da discussão é tão vasto que tudo soa forçosamente intelectualizado e pretensioso. Como o filme inteiro não passa disso, o longa fica bastante chato e, apesar de toda a pretensão discursiva, desinteressante. Há apenas duas coisas que podem manter a atenção do expectador durante o longa, em meio ao falatório. Primeiro, o carisma dos atores e de seus personagens, já que estes são construídos e vividos com muita naturalidade. Segundo, o interminável discurso fica menos pesado e arrastado para aqueles que assistiram os dois longas da maneira que foi planejado, ou seja, tendo experimentado nove anos de intervalo entre o lançamento de um e do outro, o mesmo intervalo de tempo que os personagens enfrentaram até reencontrarem-se. Isso porque os personagens são reflexo do tempo que vivem e da faixa etária em que se encontram e, assim, o expectador que assistiu o primeiro filme em 1994 e a sequência no seu ano de lançamento vai se identificar com os sentimentos e com a visão de Jesse e Celine sobre o estado das coisas hoje. Tirando estes dois aspectos, “Antes do Pôr do sol” se torna um pouco irritante, assim como já era “Antes do Amanhecer”, há praticamente dez anos atrás. É uma experiência interessante a de acompanhar o amadurecimento e as mudanças na vida de dois personagens, bem como avaliar as mudanças pelo qual passa o mundo, através da conversa destes – porém, nunca passa de apenas um interesse sem muita relevância. Mais do que qualquer coisa, é um filme feito para os fãs da primeira parte. De resto, não arrebata.
Sinéad O’Connor lançou em 1994 aquele que considero o seu melhor disco até hoje. Universal Mother é um apanhado fantástico de músicas em que a compositora derramou seus sentimentos, frustrações e dores, dedicando a mesma intensidade emotiva na interpretação das canções e na composição das melodias. O disco abre com “Germaine”, trecho de um discurso da escritora feminista Germaine Greer. Logo em seguida somos surpreendidos com o cantar rascante de Sinéad em “Fire on Babylon”, música de bateria forte, metais messiânicos e cordas que remetem à música tradicional àrabe onde O’Connor faz das tripas coração, tamanha a emoção com que canta. As letras são um primor do trabalho de composição da artista irlandesa, uma vez que declaram os horrores da guerra usando o mito bíblico de Babilônia do livro das Revelações/Apocalipse como analogia. A faixa seguinte, “John, I Love You” substitui o tom urgente por uma emotividade construída em uma melodia bem mais delicada, que lembra vagamente uma canção de ninar. A letra é também repleta de emoção, já que é um hino de amor materno, onde a mãe tenta mostrar ao filho os desafios, frustrações e belezas da vida. Quando a música prossegue para o encerramento, a melodia do piano sofre sutil alteração, unindo sua harmonia com a melodia da música seguinte, “My Darling Child”, mais uma canção sublime com letras simples, compostas por frases de admiração e amor de uma mãe para sua criança. Levando a temática do disco o mais próximo possível de sua essência, a próxima faixa traz um dos filhos de Sinéad O’Connor, Jake Reynolds, na época ainda criança, cantarolando versinhos ingênuos e breves sobre a condição humana. “Red Footbal” leva à frente a temática da canção que a precede, mas em uma composição mais madura e reflexiva que traça uma analogia entre o sofrimento de um animal aprisionado em um zoo e a opressão pelo qual muitos seres humanos passam. A melodia, que inicia-se introvertida e reprimida, apresentando apenas piano e voz, caminha aos poucos para uma orgia harmônica onde cresce pouco a pouco a bateria, até explodir em um climax revanchista. Sucedendo esta canção temos um cover de Kurt Cobain, “All Apologies”, cuja melodia despoja-se de excessos, sendo composta apenas de voz e violão algo minimalista, e com letras que questionam as relações humanas. As duas músicas seguintes estão, com certeza, entre as mais belas canções de Sinéad: ambas as canções tem suas melodias compostas apenas pela voz de Sinéad, em um cantar que concentra inacreditável emoção e dor, e por um piano de acordes cortantemente melancólicos, de levar qualquer ouvinte às lágrimas. As letras também são emocionantes: em “A Perfect Indian”, composta pela própria cantora, Sinéad canta a dor de alguém que só vê alegria em sua família quando esta é pura aparência – como um sorriso forçado em uma foto, por exemplo – e em “Scorn Not His Simplicity”, temos a sensação de impotência de uma mãe diante da descoberta de que seu filho não é como as outras crianças – a letra não deixa claro se seria uma defiência física ou cerebral ou um problema decorrente de um acidente. É de dar um nó na garganta o sentimento de culpa e abandono que esta mãe experimenta ao ter idéia de como ele não poderá mais compartilhar de tudo que faz da infância algo inesquecível. “All Babies” continua abordando a infância, mais agora de uma maneira mais universal e lírica, declarando que são elas as coisas mais adoradas por Deus – na melodia, mais uma vez, o piano hiper-emotivo é o destaque, embora nesta canção a harmonia ainda faça ótimo uso de baixo e bateria. “In This Heart”, por sua vez, depoja-se totalmente de instrumentação, explorando emoção inimaginável apenas com os vocais de Sinéad e de um esplendoroso coro gospel em modo algo minimalista. A letra é extremamente simples, mas consegue sintetizar sensibilidade fulminante em seus versos que falam sobre perda, dor e resignação. Como um mantra, a próxima canção, “Tiny Grief Song”, tem suas letras compostas por versos repetidos, novamente “a capella”, sem qualquer instrumentação – é exatamente o que informa seu título: uma pequena canção do sofrimento. Em “Famine” Sinéad foge da identidade melódica, compondo algo próximo de um funk e que lembra os hits mais elegantes do US3, que tanto sucesso fez na década de 90. A letra também muda de tom, já que o sofrimento humano continua sendo abordado, mas agora parte para um discurso mais político e regional: a opressão irlandesa imposta pela invasão britânica. Fechando o disco, retornamos à uma canção que conjuga letras e melodia como um mantra: “Thank you for hearing me” é uma das canções favoritas dos fãs, em cujas letras vemos a gradação dos sentimentos humanos despertados pelas relações humanas, particularmente as afetivas: primeiro o contentamento e alegria quase plenos, passando ao sofrimento e a dor e, então, ao posterior fortalecimento que estas últimas acabam favorecendo.
Classuda ao extremo no disco Birds, Bic Runga acertou em cheio no clima do clipe para a música “Say After Me”. Como incita a primeira parte da música, a ambientação da sequência inicial do vídeo e a performance da artista é totalmente cabaret. Com o avançar do elegante climax orquestral da canção, um belíssimo espetáculo composto de fogos de artifício serve de fundo para a focalização dramática e algo teatral da câmera e o caminhar glamouroso da artista neo-zelandesa. É a perfeita transposição para imagem da sonoridade da canção. Baixe já o vídeo pelo link a seguir.