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Categoria: musica

críticas e comentários sobre CDs de música.

Liily – I Can Fool Anybody In This Town (EP) [download: mp3]

Publicado em 29 de março de 2019

No EP de estréia I Can Fool Anybody In This Town, os cinco jovens de Los Angeles que formam a banda Liily deixam claro que bastam bateria, baixo e guitarra para fabricar melodias arrebatadoras, como “Toro”, que abre o disco disparando um refrão grudento no qual o instrumental explode em uma orgia sonora, e “The Weather”, onde o vocal, as supressões instrumentais, os acordes sinuosos e cortantes de guitarra e a bateria encorpada e possante sopram um vento, assim, Arctic Monkeys. E por falar na banda britânica, “Sepulveda Basin”, além de ser um respiro momentâneo da tônica acelerada do disco, poderia facilmente emplacar sua bateria, baixo e guitarras graciosas em Humbug, o disco que marcou a guinada sonora dos jovens ingleses para um rock mais melódico. “I Can Fool Anybody In This Town”, faixa título do disco, tem como destaque a parceria entre guitarra e bateria em um compasso curto e vívido, ao contrário de “Nine”, que mantém a aceleração, mas reflete na melodia a mesma aflição de versos como “what if I can’t bleed when I cut with your razor?”. A banda conclui o EP com o vocal rascante, a guitarra afiada e a bateria intensa de “Sold”, uma faixa vibrante na qual a banda demonstra que, mesmo ainda sendo novata na abarrotado cenário do indie e do rock alternativo, possui toda a auto-confiança das veteranas.

Baixe: Liily – I Can Fool Anybody In This Town (EP) [mp3]

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Karen O & Danger Mouse – Lux Prima [download: mp3]

Publicado em 17 de março de 2019

Karen O, vocalista da banda Yeah Yeah Yeahs é uma daquelas artistas inquietas que necessita de vez em quando colocar seu barco a navegar por oceanos que não o seu, e entre um álbum ou outro de sua banda, Karen já lançou um disco solo e compôs músicas para filmes e até mesmo um game (Rise of the Tomb Raider). No recém-lançado Lux Prima, Karen tem companhia para guiar seu barco nesta nova empreitada: o produtor musical Danger Mouse. O álbum que é resultado da parceria está permeado por nostalgia e mistério e uma névoa de coloração cinematográfica suspensa na atmosfera das suas nove canções que navegam no pop, no rock e no trip-hop. A faixa título que abre o disco exibe estas matizes, ilustrando bem a fusão da personalidade musical de ambos os artistas: durante seus mais de nove minutos, uma intro com teclado e vocalizações que vertem psicodelias sobre uma bateria narcotizada encerra-se, dá lugar à uma melodia de bateria, baixo e teclado com gingado elegante sobre a qual Karen desfila seu vocal, e por sua vez é também encerrada e sucedida por um amálgama sonoro de ambas, numa música que não soaria estranha tocando em um cabaret – ou até mesmo em um motel. “Ministry” e “Turn the Light” prosseguem com suavidade, a primeira com vocais e sintetizações etéreas sobre um violão de acordes radiantes, numa ambiência de delírio e fantasia, enquanto a última investe na requebrado sensual do baixo como base para o vocal e sintetizações charmosas e românticas. “Woman” e “Redeemer”, as duas faixas seguintes, optam por se desfazer das sutilezas em troca de uma sonoridade que suscita as trilhas sonoras selecionadas a dedo por Quentin Tarantino para seus longas-metragens: “Woman” com bateria, guitarra e vocal acelerados e ferinos, “Redeemer” com bateria bem compassada e guitarra e teclado cheios de malícia musical. Tirando o pé do acelerador, “Drown” insere ocasionais orquestrações de cordas e metais e um teclado adocicado em meio ao andamento manso da bateria enquanto o vocal de Karen é submerso em um filtro aquoso – referência clara ao título da faixa. Quase no fim do disco, surge algo de genuinamente Yeah Yeah Yeahs em “Leopard’s Tongue”, e isso se deve muito provavelmente ao refrão da canção, que cairia bem em algum canto de Show Your Bones ou It’s Blitz, e mesmo a cadência firme e ligeira da bateria e baixo não soaria completamente estranha na acervo melódico da banda de Karen O. A penúltima faixa do disco, “Reveries”, parece continuar aproveitando referências ao trabalho da cantora, já que a crueza sonora da base de vocal e violão descende diretamente de “Crush Songs”, disco solo de Karen, mas a sobreposição desta base por uma sequência de nuances celestiais, com direito a coro e orquestração de cordas, faria certamente a faixa destoar muito do conjunto daquele álbum. Última faixa do disco, a idiossincrática, “Nox Lumina” parece pairar no ar com suas reminiscências à trilhas antigas de western clássicos italianos compostas por Ennio Morricone, recedendo ao fim para recuperar a intro psicodélica que abriu o álbum, ao mesmo tempo encerrando e retornando ao início da lisérgica jornada sonora dos dois músicos norte-americanos, cuja idéia surgiu lá em 2008, quando Karen, em plena embriaguez, fez um telefonema para Danger Mouse. Não que isso seja ruim, pelo contrário, mas tendo ouvido o disco já diversas vezes, tenho a impressão que a artista jamais tenha se refeito daquele porre.

Baixe: https://drive.google.com/file/d/1CPL-3E_6hbYTGPnWKbL0G7UeoPGSjHc-/view?usp=sharing

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My Brightest Diamond – A Million and One [download: mp3]

Publicado em 8 de março de 2019

Shara Nova, também conhecida como My Brightest Diamond, vem desde o seu primeiro disco flertando com matizes eletrônicas: seus dois primeiros álbuns foram completamente remixados, faixa a faixa, por vários DJs bastante conhecidos (Tear It Down e Shark Remixes, respectivamente). Por essa razão, não é nenhuma surpresa que Shara tenha finalmente decidido inserir as referências mais diretamente em suas composições. Em A Million and One, seu mais recente lançamento, Shara não tem temores de meter a mão nas sonoridades mais vibrantes para dar à luz faixas bastante cintilantes, como o single “Champagne”, com uma programação hipnótica e recheado de vocalizações que “pegam” nos ouvidos na primeira audição, contando também com uma breve aparição de alguns arfantes acordes da guitarra característica de Shara. Em “Supernova” a artista também se refestela no eletronismo, abusando do vocal “sampleado”, beats encadeados e vocais de fundo adocicados. E “White Noise”, que fecha o disco, alterna uma cadência mais sintética e “suja”, com beat e ruídos concebidos na mesa de programação, com outra baseada em um baixo insinuantemente gingado e floreios vocais perpassados por diferentes filtros.
Apesar da forte carga eletrônica destas faixas, porém, não é possível dizer que com A Million and One a cantora pisa com ambos os pés firmemente na pista de dança, como o fazem pensar os títulos das duas primeiras faixas, “It’s Me on the Dance Floor”, onde guitarras, baixos e percussão malemolentes acolchoam o vocal aveludado e quente da cantora norte-americana, e “Rising Star”, concebida sobre uma harmonia de vocais de fundo contínua e bateria e base eletrônica de andamento moderado que suscitam uma atmosfera com algo do hip-hop levemente temperado com rock industrial. Para o bem e para o mal, este é um disco que ainda carrega a personalidade musical da cantora, particularmente de suas últimas produções, onde Shara flertou não só com sonoridades sintéticas, mas com o experimental, a ponto de algumas vezes soar quase cacofônica e atonal. Assim é “Sway”, uma “jam session” cansativa com percussão e vocal soturnos que só é iluminada pela interferência eventual da guitarra, e em menor grau “You Wanna See My Teeth”, menos apática com sua música elaborada, onde camadas de vocais cascateantes serpenteiam sobre a ansiedade sonora de sintetizações, guitarras, percussão e bateria que em grande parte silenciam-se ao final, dando lugar à uma sonoridade etérea e reflexiva. Porém, é com a simplicidade da contemplativa faixa seguinte que a artista atinge o balanceamento ideal do experimento a que se propôs neste disco: com vocal amargurado e melancólico selando o espaço entre ruídos e silêncios do órgão, Shara capta aquela singularidade sonora única de Björk no clássico Homogenic, fabricando uma sutil e elegante balada que rola facilmente ouvidos adentro. E é o contraste desta com outras faixas do disco que faz notar que, assim como a artista islandesa hoje, é por Shara optar muito mais pela forma do que pelo conteúdo melódico que A Million and One acaba perdendo grande parte do seu impacto sonoro – tivesse Shara abraçado com mais ardor e sem hesitação a sua faceta pop em todo o álbum e este certamente figuraria entre os melhores de sua carreira.

Baixe: https://drive.google.com/file/d/1Mhi9Ugxs6uxVO3QkjTmgMR3_n1xlJ_6C/view?usp=sharing

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Julia Jacklin – Crushing [download: mp3]

Publicado em 2 de março de 2019

Com seu segundo álbum, Crushing, lançado semana passada, a australiana Julia Jacklin ainda é uma novata no meio musical, tendo confessado que só em meados de 2016 se deu conta que a música tinha se tornado sua principal ocupação, já que pouco tempo lhe sobrava para seu emprego “tradicional”. Apesar disso, a garota parece ter adquirido maturidade artística suficiente para compor algumas faixas de imensa beleza, caso de “When The Family Flies In”, uma elegia tocante de vocal sofrido e piano abafado que recorda a triste banalidade dos últimos momentos na companhia de um amigo que se foi, e da faixa “Comfort”, que fecha o disco com a simplicidade de um violão de tonalidade folk e um vocal desconcertantemente resignado onde Julia trata sobre alguém que, após abandonar uma relação, tenta se convencer que seu ex-companheiro está bem – como ilustra o verso “don’t know how he’s doing, but that’s what you get, you can’t be the one to hold him when you were the one who left”. “Body”, faixa de abertura e single do disco, é outra amostra da qualidade musical que a australiana já atinge: com um vocal letárgico em letra episódica sobre uma mulher que decide abandonar um relacionamento que percebe não ser saudável e uma melodia enxuta baseada em uma harmonia quase imutável de bateria e baixo e um discreto piano na sequência final, Julia captura a atenção do ouvinte desde o princípio, fatalmente enlaçando-o na cadência melancólica e algo soturna da canção. Há, no entanto, como encontrar no disco tecituras de outros gêneros, como a leve coloração country nas guitarras e na bateria da balada “Don’t Know How to Keep Loving You”, na qual Julia fala de uma paixão que foi exaurida pela convivência de um casal, e o pop/rock moderadamente ritmado da guitarra, baixo e bateria em “You Were Right”, onde, após o término de uma relação, uma mulher confessa ter prazer em desfrutar de todas as coisas então recomendadas por seu companheiro, mas que nunca experimentara por contrariedade à forma insistente que ele as fazia.
No entanto, a australiana ainda é uma artista em formação, e por isso é compreensível que boa parte de suas composições ainda soem tanto opacas (caso de “Head Alone”, com guitarra e bateria abatidos e vocal pouco inspirado, e de “Good Guy”, faixa com instrumental de toques espaçados e um vocal sem brilho em que Julia suplica pela atenção de um rapaz que claramente não tem o mesmo interesse) quanto irregulares (como “Turn Me Down”, que inicia desprovida de ânimo até reverter-se em um frenesi melódico onde a cantora solta a voz sem receios, mas consciente de suas limitações). Ainda assim, o saldo final é compensador, e pelo que se observa nas melhores canções do disco, com mais alguns pés na bunda que a garota dê ou leve, quem sabe, poderemos ter um “breakup album” genuinamente rock n’roll.

Baixe: https://drive.google.com/file/d/1G2eLNdH97uPbqHHjQVOiV3Z9A33hbhGT/view?usp=sharing

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Isaac Gracie (LP) e Close Up – Looking Down (EP) [download: mp3]

Publicado em 15 de fevereiro de 2019

Acabei conhecendo Isaac Gracie através do vídeo do seu single “The Death of You & I”, e apesar do o clip não ir muito além do clichê mais batido possível do rock, com o jovem músico britânico destroçando tudo o que vê pela frente, é impossível não ficar impressionado com a voz ao mesmo tempo macia e potente do jovem dândi. A canção, por si só, também é irresistível, com bateria e guitarras que transitam entre um bolero tépido e o ardor de um rock furiosíssimo onde o jovem britânico solta sem receios a sua voz potente. O disco homônimo que contém a canção, porém, ainda guarda outras belas canções. “Terrified”, a faixa de abertura onde o cantor inglês expõe seus temores de não corresponder as expectativas de alguém que ama, adiciona na família de instrumentos um piano de toques suaves que banha a linda voz de Isaac de modo – perdão do trocadilho – gracioso. “Last Words”, logo em seguida, é uma balada com vocais de fundo e orquestrações que acolchoam os acordes melancólicos do violão do jovem músico que canta sobre alguém que, depois de abusar de sua sorte, pergunta-se como pode ter se permitido chegar à este ponto. Logo depois de “Running On Empty”, gostosa faixa de ritmo acelerado, na tradição do pop/rock inglês, temos “Telescope”, onde o cantor, com vocal, violão e pianos sofridos e bateria bem marcada, canta sobre um amor que percebeu não lhe fazer bem, e do qual agora que se desfazer. “That Was Then”, com uma melodia triste e bem ritmada da guitarra, baixo e bateria sobre a voz em tom penoso de Isaac, investe ainda mais em romances disfuncionais em letras como “she says I’ll never understand, begging me to let her go, if you never lose, will you ever know how to be a better man”. Em “When You Go”, o violão de sutil cadência matinal constrói um lamento que casa perfeitamente com as letras sobre mais um amor disfuncional. Amores despedaçados também são tema de “Silhouettes Of You”, onde o violão e a vocalização de fundo do refrão são a base para um crescendo instrumental da bateria e guitarra que incrementa o flagelo vocal de Isaac. Algumas faixas mais à frente, fechando o disco, a música de “Reverie” alterna entre a prece sorumbática da guitarra, percussão, piano e vocais abatidos e a pujança sonora em sua sequência final, em um deslumbrante despertar melódico.


Porém, se a tônica do LP de estréia é de uma melancolia cálida, Close Up – Looking Down, o EP lançado no final do ano passado, reúne canções mais ritmadas, com uma energia pop/rock que o cantor e seu produtor aparentemente decidiram resguardar em grande parte do disco de estréia. “Show Me Love”, uma faixa clássica do gênero com um andamento rápido da bateria e guitarra acompanhando um vocal mais solto e intenso do cantor britânico, deixa isso claro já na abertura do EP, ainda que a faixa seguinte, “Broken Wheel”, desacelere um pouco com sua harmonia mais cadenciada do violão, percussão e piano sobre um vocal que conserva o mesmo vigor da faixa anterior. “No, Nothing at All” é a faixa mais bem estruturada do disco, onde a guitarra e a bateria bem compassadas preparam-se para um refrão onde ganham uma maior densidade instrumental que lembra os inesquecíveis hits das rádios FM do início dos anos 90. “You Only Live Once”, cover de uma faixa do The Strokes calcada nos alicerces do rock, conclui o pequeno compêndio musical desacelerando o ritmo com a parceira perfeita entre guitarra, bateria e vocal em uma versão mais contemplativa, mas que também convida o corpo a embalar-se em seu compasso manso e sereno.
É uma grata surpresa ainda encontrar bons e jovens artistas interessados em desnudar seus sentimentos e devassar seus corações ao ritmo do velho, bom e insuperável rock. O filão mais popular da música mundial, aquele que ganha todos os holofotes, está tomado por artistas cujo trabalho se assemelha tanto a ponto de você não encontrar algo que os diferencie, num pastiche sonoro que parece ter sido fielmente elaborado pelos produtores baseados em algoritmos que apontam inequivocamente aquilo que vai capturar a atenção da massa de ouvintes, mas o rock sobrevive, ainda que ele esteja discretamente alojado lá na mesa do canto da cafeteria, calma e pacientemente degustando um café, esperando todos aqueles que tem bom gosto e inteligência sentar em sua mesa para apreciar a sua companhia.

Baixe (Isaac Gracie, LP, 2018): https://drive.google.com/file/d/12NCDH-LOaOAbbaag-LZvD2hTZhBFk3MD/view?usp=sharing

Ouça (Extended Edition, inclui 3 faixas do EP):

Baixe (Close Up – Looking Down, EP): https://drive.google.com/file/d/1_KLYbY-v3tygE43m2rIWDzKjXJbOZgP-/view?usp=sharing

Ouça (faixa “You Only Live Once”):

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Emily King – Scenery [download: mp3]

Publicado em 4 de fevereiro de 2019

Apesar da carreira iniciada em 2004 e de seu primeiro disco em 2007, a jovem cantora americana Emily King lançou, há poucos dias, apenas o seu terceiro LP, chamado Scenery. Rotulada como uma artista de r&b e de soul, há de se reconhecer matizes e influências do ritmo, mas neste disco, ao menos, a moça parece ter escolhido embanhar suas canções com uma boa camada de pop, particularmente na primeira metade disco, onde está o single “Remind Me”, faixa com baixo e guitarras sutis, mas muito bem gingadas e um beat que aquece a melodia, sem queimar sua sutileza sonora. “Teach Me”, segunda faixa do disco onde violões de sabor latino, um piano parcimonioso e uma percussão quase muda tecem um tapete para que o vocal doce e morno da cantora dance harmoniosamente é, de longe, o maior acerto do álbum. O que não significa que não há outras boas faixas no disco. “Caliche”, a quinta canção, é uma delas. Com vocais de fundo generosos, piano e violões de reminiscências jazzísticas e um refrão gostosamente ritmado, constrói-se uma atmosfera algo nostálgica que tem um parentesco distante com o fabuloso disco “Birds”, da neo-zelandesa Bic Runga, que já resenhei aqui no seteventos.com há muitos anos atrás. Mais à frente, “Running” não surpreende ao pagar a cota de gospel da artista, como normalmente o faz boa parte dos artistas do soul e r&b. Fechando o disco está “Go Back”, que com seu discreto crescendo melódico pop/rock de bateria, guitarra e vocais de fundo é a provável candidata a novo single.
Ainda que a decisão da Emily King de não soltar a voz em nenhuma das doze faixas que selecionou para o lançamento seja bastante frustrante, a produção caprichada, melodias bem cuidadas e a bela voz da artista valem uma conferidinha no álbum.

Baixe: http://www.mediafire.com/file/5v8i48tcq5xn4dx/emiking-scene.zip

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Sevdaliza – The Calling (EP) [download: mp3]

Publicado em 11 de abril de 2018

Sevda Alizadeh, uma bela morena iraniana radicada na Holanda, é uma jovem do seu tempo, tendo já lançado uma música de protesto, cantada em persa, contra as iniciativas anti-imigratórias do atual presidente americano, entre outras iniciativas do gênero. Isso é louvável, no entanto, para mim, que depois desse tempo todo continuo sendo um sujeito que não tem muito apreço pela correção política, o que interessa de fato é a qualidade artística. E isso, Sevdaliza – sua persona musical – tem o suficiente.
A cantora e compositora, que é formada em Ciências da Comunicação e durante a adolescência fez parte da seleção holandesa feminina de basquete, é descrita por críticos como sendo uma mistura de FKA Twigs com Björk e Portishead. As três referências são compreensíveis, mas discordo da primeira: apesar da familiaridade ser grande, FKA Twigs é por demais contemporânea da própria Sevdaliza, o que permitiria a afirmação continuar sendo válida mesmo ao ser invertida. Mas então, qual seriam as demais referências que se pode apreender ao ouvir algo da artista iraniana?
Bem, para qualquer canção que você escolha ouvir, certamente a primeira coisa que virá à cabeça é Sade: tanto o empostamento vocal quanto a tessitura da voz da cantora iraniana trazem aos ouvidos vibrações do cantar suave e sofisticado da veterana cantora nigeriana – é a sensação inequívoca que se tem ao ouvir “Observer”, por exemplo, que com sua pegada pop mais tradicional, num beat ritmado sem quaisquer volteios melódicos ou ousadias, seria certamente a canção do disco com o DNA natural de um single. Isso porém, coube à outras duas faixas do EP que apresentam mais honestamente o estilo da cantora iraniana, “Soul Syncable”, a faixa que abre o disco, e “Human Nature”. A primeira já de início apresenta aquela que é sua melhor e mais salutar característica, as orquestrações de cordas embebidas em orientalismo, que acompanham todo o andamento da melodia baseada em um beat que lembra muito bandas de verve electro-chic como Supreme Beings of Leisure e Morcheeba, além da cantora em alguns momentos fazer uso de filtros que alteram brevemente o seu vocal. Já “Human Nature” tem uma atmosfera bem mais contemplativa e melancólica, onde o sutilíssimo beat eletrônico apenas dá base para que as orquestrações e as iluminuras ao piano joguem todo o foco para o vocal algo triste, porém elegantíssimo de Sevdaliza, que ao cantar sobre as agruras de um amor despedaçado, lança ao fim uma ode à individualidade da alma humana. “Voodoov”, a faixa seguinte, com seus eletronismos algo óbvios, talvez seja a canção menos inspirada do disco que nem mesmo as orquestrações e os toques esparsos ao piano conseguem salvar. Algo que não acontece em “5d”, que com sua ambiência graciosamente dark consegue balancear muito bem a base eletrônica levemente dançante com as orquestrações tristes e o vocal bem apurado da cantora. É porém em “Soothsayer”, faixa onde a cantora mais faz uso de um falsete de registro baixo, que sobressai entre semi-silêncios, orquestrações pontuais e uma batida bem marcada, que temos a maior semelhança com Portishead, já que em muito este vocal se assemelha ao da sempre sorumbática Beth Gibbons. Por fim, a faixa “Energ1” é provavelmente a que melhor sintetiza a música de Sevdaliza, iniciando com um arranjo de vocais e orquestrações crescentes que se seguem à toques suaves no piano para introduzir o beat bem cadenciado que avança e retrocede durante toda a melodia, salpicada de distorções vocais.
Ao fim, The Calling consegue alcançar nas suas sete faixas aquilo que muitos lançamentos nem sempre conseguem: uniformidade. Com a exceção de “Observer”, em todas as outras faixas Sevdaliza consegue construir uma identidade musical consistente, com melodias refinadas, apesar das letras não exatamente acompanharem estas características. É verdade que nesta identidade carecem vigor e singularidade para lhe tornar uma artista mais do que somente competente e interessante, mas estamos falando de alguém em início de carreira – tempo para aprimorar a amadurecer seu trabalho não vão lhe faltar, certamente.

Baixe: http://www.mediafire.com/file/9bzuw4h4cwh6ced/sevda-calling.zip

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David Fonseca – Seasons: Falling [download: mp3]

Publicado em 31 de maio de 2013

Lançada já no segundo semestre do ano passado, a segunda parte (Seasons: Rising, a primeira parte, você encontra neste link) do projeto concebido por David Fonseca para o ano de 2012 confirmou o incrível ciclo criativo que o grande artista português saboreou nos últimos anos. Impressiona como o arsenal de composições de Fonseca não se esgota, sempre repleto de canções que seduzem os sentidos mesmo em primeira audição, como já acontece na faixa de abertura, “I’ll Never Hang My Head Down”, que com seus riffs hipnóticos de guitarra preparam o bote irresistível do refrão e do outro da melodia, onde os instrumentos enovelam-se em uma explosão emocionante. Emoção, aliás, é algo que transborda nesta segunda parte do projeto Seasons. Apesar deste disco ser permeado por momentos mais cheios de energia, como na faixa “It Means I Love You”, uma celebração frenética ao amor com guitarras farfalhantes, pianos embevecidos, bateria acelerada e sintetizadores em pleno êxtase, Falling é um disco feito para atingir em cheio o coração do público, como na doce balada “All That I Wanted”, onde violões dão o andamento enquanto guitarras reverberam com suavidade por toda a música. “It Shall Pass”, não deixa por menos, trazendo um dueto delicado com Luísa Sobral em que os violões avançam em um crescendo onde bateria, sintetizações e arranjo de cordas comungam em plenitude. Em seguida, a fulminante “At Your Door” já traz lágrimas ao olhos ao iniciar com não mais do que a voz de David e sua guitarra cintilando como uma estrela perdida no cosmo, mas a canção ainda expande-se em uma associação infalível entre piano, bateria, violões e arranjo orquestral que deixa o refrão da canção circulando prazerosamente nos ouvidos por longas horas. Na power-ballad “Heartbroken” órgão e piano criam a atmosfera na qual o artista português pinta e borda com seu instrumental pop/rock, alternando entre momentos de extroversão e introspecção melódica. Em “On My Feet Again” múltiplos vocais de fundo harmonizam-se com a música, no qual o trabalho da guitarra e bateria despontam esplendorosos. E fechando este disco impecável, “I’ll See You In My Dreams” é uma vitrine musical onde David Fonseca exibe todo o seu talento na produção (tarefa que divide com Nelson Carvalho) e arranjo da canção, harmonizando os loops de pequenos samplers com o seu instrumental variado em uma música cujas letras expõem o arrebatamento de um homem completamente apaixonado – e apaixonados pela música de David acabam todos os que ouvem este trabalho que é, sem dúvidas, um dos mais bem acabados deste grande artista do pop/rock – aprecie sem moderação.

http://www.mediafire.com/file/w2ilvzfm2ecw1z6/fonseca-falling.zip

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Vitalic – “Fade Away” (dir. Romain Chassaing) [vídeo, download: mp3]

Publicado em 28 de abril de 2013

Há muito tempo que eu não assistia um vídeo feito para o francês Pascal Arbez, mais conhecido como Vitalic. Seu nome ficou conhecido em 2006 com o lançamento do vídeo “Birds”, produzido pelo coletivo Pleix e que era estrelado por um bando de cachorrinhos fofos capturados em câmera lenta em suas estilosas e alegres estripulias esvoaçantes. Alguns podem nunca ter visto ou ouvido falar, mas o vídeo consagrou-se e virou um clássico absoluto da internet que passou a ser copiado em muitas outras produções – caseiras e profissionais, diga-se. Porém, o mais recente vídeo feito para uma música do artista não tem nada de fofo – embora também não seja algo polêmico ou ultrajante. Dirigido por Romain Chassaing, a canção “Fade Away”, que tem pitadas nostálgicas do synthpop dos anos 80, ganhou um vídeo muito bem fotografado, editado e encenado que joga com os clichês do cinema policial, trazendo uma série de meliantes que se matam sucessivamente para colocar as mãos em uma valise cujo conteúdo não é revelado. Preste atenção no final, porque este é mais uma referência à algo que já virou clichê no cinema alternativo contemporâneo.
Baixe o mp3 da canção através do link abaixo.

http://www.mediafire.com/file/l8ce66soy1mmxa8/vitalic-fade.zip

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M83 & Susanne Sundfør – “Oblivion” [+ Extended Mix]

Publicado em 27 de março de 2013

Convidada para emprestar seu vocal espetacular para a faixa dos créditos finais do novo filme de ficção-científica protagonizado por Tom Cruise, a música, composta por Joseph Trapanese e Anthony Gonzalez, este último mais conhecido por ser o mentor e único membro fixo da banda francesa M83, é mais canção que demonstra que qualquer coisa que envolva a cantora e compositora norueguesa é certeza de algo fantástico. Apoiada por uma melodia grandiloquente, com bateria hiper-encadeada, cintilações eletrônicas e orquestral fechando com pompa e circunstância a música, Susanne solta a voz à seu estilo, entregando-se aos versos sem hesitação, apesar de ter a linha do volume de seu vocal um pouco afogada no instrumental em parte da faixa, artifício certamente perpretado pela produção à cargo de Gonzalez, já que esta é uma das característicias mais habituais nas suas composições à frente do M83. Apesar dessa característica ligeiramente incômoda, a música é realmente bonita, e cai ainda melhor nos ouvidos ao ter sido aliada ao cantar sempre incondicionalmente tocante de Susanne Sundfør.

O arquivo de download abaixo inclui a versão extendida da faixa, com mais de 20 minutos de duração.

http://www.mediafire.com/file/6icfli1p30jyi4i/susanne-m83-oblivion-includes-extended-mix.zip

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