Já devo ter dito algumas vezes no blog: há certas coisas que me despertam uma antipatia prévia, um asco inexplicável que me faz “não ouvir e não gostar” – para parafrasear minha melhor amiga. Geralmente isso ocorre com todos aqueles filmes ou bandas que se infiltram de modo tão pernicioso em nosso cotidiano que você não passa um dia sequer sem se deparar com um elogio à banda ou filme em questão. A banda britânica Arctic Monkeys é, reconhecidamente, um dos maiores exemplos recentes deste fenômeno: navegue por blogs ou mesmo pelo Orkut por alguns instantes que você, via de regra, vai se deparar com uma confissão apaixonada de alguém pela banda. E eu tentei fugir do Arctic Monkeys o quanto pude, mas quando fiquei sabendo que eu seria obrigado a vê-los, ao vivo, na etapa do Tim Festival de Curitiba, como brinde de Björk e The Killers, eu decidi que era hora de por fim a esta fuga – afinal de contas, se eles me perseguiam de modo tão insistente, isso só podia ser algum tipo de sinal. Sabendo disso e reconhecendo que eu não posso simplesmente ignorar a banda no festival, lá fui eu em busca de Favourite Worst Nightmare, o segundo e mais recente disco da banda. Apesar de meu sexto sentido de pleno esnobismo cultural ser normalmente muito apurado, alguns positivos falsos acabam acontecendo. E eu reconheço: o Arctic Monkeys foi um dos meus mais vergonhosos falsos positivos – ao menos no que tange ao seu vigoroso, eletrizante e esquizofrênico segundo álbum.
O grande barato da banda são suas canções de melodias frenéticas, de compasso absolutamente “epilético” – é nessas faixas que o vocalista Alex Turner mostra suas habilidades no vocal e na guitarra, devidamente acompanhado pelos seus companheiros igualmente prodigiosos no baixo, bateria e guitarra complementar. Não faltam no álbum canções para exemplificar isto: “Brianstorm”, a faixa de abertura inspirada por um fã que visitou o camarim da banda em uma de suas apresentações em Tokyo, alucina com os infindáveis riffs curtos de guitarra e baixo, com sua bateria em ebulição contínua e com seus vocais entorpecentes; “D is for Dangerous”, que fala sobre aquele tipo de homem que não consegue manter “as suas calças no lugar” e ser fiel à sua companheira, fascina com suas enérgicas guitarras e baixos de acordes quase gêmeos e com camadas múltiplas de vocais que só intensificam ainda mais a melodia em plena ansiedade; “Old Yellow Bricks”, em cujas letras uma mulher descobre que aquilo do que ela tanto fugia é o que ela mais deseja agora, detona com os riffs matadores do baixo que dá o andamento à melodia, com o dedilhar da guitarra um tanto tétrica e a cadência forte da bateria; “This House is a Circus” hipnotiza pelo dedilhar quase monocórdico da guitarra solo que empurra a melodia que gira em ciclos acelerados pela bateria incansável e as demais guitarras de tecitura densa; e “Teddy Picker”, que fala sobre o efêmero mercado das celebridades instantâneas do mercado pós-moderno do entretenimento, vicia com a pegada do baixo, com os acordes progressivos da guitarra, pela cadência da bateria e pelos vocais em perfeita sincronia com toda a melodia.
Apesar das faixas em que a banda mantém o pé enfiado no acelerador serem as que mais aguçam os sentidos, há outras em que a rítmica sossega um bocado, cedendo lugar à melodias mais soltas e, por vezes, até mais elaboradas. Em “Do Me a Favour”, de versos sinceros que ilustram muito bem os sentimentos que afloram no fim de um relacionamento, o Arctic Monkeys explora bem esse compasso em uma melodia que primeiro surge compassiva, na qual as guitarras vestem-se em acordes melancólicos e o baixo pulsa em tom pesairoso junto com a síncope rígida da bateria, e que nos seus momentos finais eclode em agitação amargurada – lembra um pouco a estruturação mais clássica das faixas mais famosas do Placebo. “Flourescent Adolescent”, que usa um casal que reflete sobre o seu amor de outrora para mostrar como envelhecer é cruel para nossas expectativas afetivas, é outra que delicia pela beleza harmônica de suas pausas rítmicas que repetem a introdução na qual o baixo é o protagonista e a bateria e guitarra apenas lhe fazem a corte.
O frisson sonoro de Favourite Worst Nightmare é tamanho que as vezes seu oceano de guitarras afiadas, baixos vistosos e baterias maciças soa excessivo e exasperante, mas, mesmo assim, é um disco que conquista o ouvinte pela forma como a musicalidade da banda foi acentuada, tornando-se mais marcante, sedutora e cáustica – imprescindível conferir se você é um dos que vai acompanhar a banda ao vivo no Tim Festival.
Baixe: Arctic Monkeys – Favourite Worst Nightmare [mp3]
Ouça:
“Neste curta-metragem, uma flor vermelha em seu vasinho simples fica entediada com sua vidinha na bancada cozinha e chega a conclusão de que aquilo não é vida para ela, partindo para uma viagem um tanto perigosa para conhecer o mundo que se estende ali fora, bem a frente da janela que tanto admira. Sonorizado por uma canção doce, que também serve de voz aos sentimentos do personagem principal, o curta de Brandon McCormick encanta pela delicadeza com que a saga da pequena flor é retratada, com extrema simplificidade e sem artifícios que lhe retirariam a naturalidade de seu conceito.
Regravar canções dos compositores canônicos da música brasileira é o desejo confesso ou oculto da maior parte dos intérpretes da música brasileira e, como se viu nos últimos meses, também de algumas portuguesas: além da vocalista da banda Madredeus, Teresa Salgueiro, que lançou um disco interpretando canções de compositores brasileiros, a atriz e diretora portuguesa Maria de Medeiros também resolveu editar a sua contribuição ao vasto painel de “covers” de canções brasileiras no CD batizado com o nome de A Little More Blue, uma das faixas do disco, de autoria de Caetano Veloso. Projetos deste tipo tem a vantagem de já nascer com metade do trabalho feito, pois o risco de um disco com faixas tão emblemáticas de “monstros” (con)sagrados da música brasileira ser rechaçado pela crítica é mínimo – daria mais trabalho errar do que acertar com material de tanta qualidade nas mãos. E Maria de Medeiros, que é fina e elegante mas não é tola, resolveu também não arriscar na metade do trabalho que lhe competia: não apenas os arranjos trafegam no que poderia-se imaginar como tradicionalmente brasileiro, apenas trocando o violão pelo piano no papel de principal condutor das melodias, como a própria Maria decidiu caprichar no seu “brasileirês”, entoando os versos com um sotaque tão perfeito que a maior parte das pessoas juraria tratar-se de uma cantora genuinamente verde e amarela.
De certo modo ignorado, Pierrot do Brasil permanece como um dos maiores êxitos autorais recentes de Marina devido à qualidade de seus arranjos e as letras que versam, claro, sobre amor e paixão de forma aberta. “Pierrot”, bem ao modo “comissão de frente”, apresenta um resumo das faixas mais swingadas que vem pela frente: com direito a introdução que cita “Delicado” de Waldir Azevedo e epílogo com um piano solo bem boêmio, a música tem melodia moderna, com uma programação eletrônica sincopada e dançante ocupando todo o fundo da faixa enquanto uma guitarra de acordes agudos faz frente ao vocal sempre sedutor da cantora. Aliás, sedutores são os versos de “Na Minha Mão” e “Leva (Esse Samba, Esse Amor)”. Na primeira, em cuja melodia a guitarra divide-se em uma face mais sensual e aflitiva e outra mais plácida e a bateria entre uma rítmica sexy e inquisidora e outra mais reflexiva, ouvimos Marina concluir na letra que comenta sobre feridas de amor que “se todo mundo é mesmo gay, o mundo está na minha mão”. Na segunda, cujo dueto com Sérgio Britto mais atrapalha do que ajuda, escutamos ao som de um loop de constante tilintar, bateria eletrônica bem marcada e orquestração de metais adicional, versos em que a cantora questiona algúem sobre seu modo de agir e encarar o amor.
Apesar de ser autora de dois dos maiores mega-hits do final da década de 80 e parte dos anos 90 – “Luka” e “Tom’s Diner”, que inundaram as FMs do mundo inteiro -, Suzanne Vega é uma artista mais admirada nos círculos mais “cults” devido à uma idéia de sofisticação excessiva de seu estilo em grande parte de sua carreira musical. Talvez por sentir-se cansada de soar tão sofisticada, ou simplesmente por vontade de estabelecer mudanças, Suzanne lançou em 1996 um disco que foi o ponto de partida para um processo contínuo de desenvolvimento da composição de uma musicalidade muito mais algodoada e coesa, tanto quanto sempre foi a sua voz sutil: Nine Objects of Desire. Neste disco, a artista soa muito mais quente, tranquila e sonoramente frugal do que possa jamais ter sido nos anteriores. Este balanceamento delicado é vísível na bateria e teclados e na maneira como guitarra e pratos soam pontualmente preponderantes em “Headshots” – em que um pôster 3×4 de um rapaz persegue uma mulher que caminha pela cidade, causando-lhe imensa nostalgia afetiva – na percussão, violões e orquestrações cálidas e sensuais da bossa de “Caramel” – onde apesar do desejo intenso, uma mulher não se atreve a sequer arriscar uma relação que, ela sabe, não terá futuro – na melancolia amarga dos acordes do violão e piano, da percussão de sincopamento leve e ressoamento dos pratos de “World Before Columbus” – em cujos versos a cantora reflete sobre como o mundo, e não apenas a sua vida, perderia muito do seu sentido sem a companhia de quem ama – e na delicadeza madrigal da orquestração e nostalgia solar da guitarra e órgãos de “My Favorite Plum” – baseada em brilhante analogia sobre desejos não confessos por um fruto sem igual, distante e inalcançável.