Ao tentar obter os serviços de ocultismo de uma senhora para que sua esposa volte, Anton acaba descobrindo que não é um humano normal e integra um mundo dividido em duas partes: os guardiões da noite, seres da luz, e os guardiões do dia, seres da escuridão. Ambos os lados trabalham, cada qual em seus turnos, para evitar excessos e preservar uma trégua que foi estabelecida pelos líderes de ambos os lados há séculos atrás. Mas os atos de Anton estão prestes a desfazer esse equilíbrio.
Definitivamente, o cinema comercial do século XXI não tem mais fronteiras definidas. “Guardiões da Noite” só é russo por ser falado, primordialmente, na língua desta terra, já que todo o resto passaria muitíssimo bem por cinema americano: o uso constante de efeitos especiais, as tomadas esvoaçantes, a fartura de câmeras lenta e acelerada, a estilização da fotografia e da edição, o ritmo frenético e esquizofrênico e o roteiro adaptado, cuja mirabolância catastrófico-messiânica urbana está tão dentro do que já foi padronizado no gênero fantástico que a trama poderia ser ambientada em qualquer grande espaço urbano do mundo, tornando sua origem russa apenas acessória para agregar-lhe quase obrigatoriamente um status cult. Copiada a fórmula do cinema americano, consequentemente, seus problemas também tendem a ser carregados junto: os efeitos especiais, particularmente os digitais, surgem um tanto desnecessários e gratuitos um bocado de vezes – eu chamaria isso de síndrome CSI, ou seria síndrome dos irmãos Wachowski? -; as sequências de ação constantemente tomam espaço do aprofundamento da trama e do desenvolvimento dos personagens e o frenetismo da edição faz uma simulação um tanto excessiva do universo videoclípico. Ainda assim, a trama básica do filme, que ao modo americano, não poupa as possibilidades de extender-se por mais um ou dois capítulos (como de fato aconteceu com o livro em que é baseado o filme), é razoavelmente mais interessante do que boa parte do que é lançado anualmente pelos americanos nos domínios do gênero fantasia. Como diversão e passatempo, “Guardiões da Noite” cumpre o seu papel tão bem quanto qualquer arrasa-quarteirão americano abastado mas, como também acontece com a maior parte deles, o esquecemos de modo tão automático quanto qualquer afazer mais trivial, logo que finde o seu último minuto.
Baixe o longa-metragem utilizando o link a seguir.
http://www.megarotic.com/pt/?d=T2W5DJQ4
Deixe um comentárioOBS: infelizmente, só encontrei link para o filme em cópia dublada. Se encontrar outra posto por aqui.
Para guiar os vocais da faixa “Burn My Shadow”, que sonoriza este clipe, os músicos e produtores James Lavelle e Tim Goldsworthy, criadores do projeto Unkle, convidaram o cantor Ian Astbury, ex-The Cult, muito provavelmente porque já tinham em mente a sonoridade totalmente rockeira da canção, com baixo, guitarras e baterias velozes dividindo espaço com momentos mais contemplativos do vocal de Ian. Igualmente convidado por Miguel Sapochnik, diretor do clipe, foi o ator croata Goran Visnjic, famoso por interpretar durante oito temporadas o doutor Luka Kovac da veterana série médica E.R. O vídeo funciona como um curta-metragem, e apresenta um homem de aparência um tanto surrada, acordando em seu apartamento completamente revirado depois do aparentemente passar pelo fim de seu relacionamento amoroso. Para sua surpresa e infelicidade, esta não será uma manhã como todas as outras foram – e nada mais deve ser dito com o risco de destruir a graça do vídeo, mesmo que ela seja revelada pouco depois do seu início.
Eles passaram pelo seteventos.org há duas semanas, quando comentei sobre o videoclipe da canção “Shooting Star”. Pois bem, o álbum desses garotos será lançado apenas em 2 de julho, mas na internet, informalmente, ele já foi lançado. Quem termina de ouvir Fractured Life acaba com uma certeza: Air Traffic soa como uma mistura de coisas que povoam nossos ouvidos já há algum tempo. Além da letra sobre um amor que chega cedo demais para compreendermos-lhe inteiramente, é fácil reconhecer a semelhança extrema de “Shooting Star”, por exemplo, com qualquer faixa mais carregada de sensibilidade do Keane: além da tonalidade da voz ser quase idêntica, o modo como Chris Wall a usa nesta faixa remete em parte a Tom Chaplin, além da própria instrumentação da canção lembrar o que os três rapazes do Keane costumam fazer: piano mergulhado em acordes emotivos, guitarras rápidas e bateria forte e ligeira – o que também acaba assemelhando a banda ao Coldplay. Em “I Can’t Understand” o que podemos reconhecer tanto na harmonia doce da guitarra e dos acordes monotônicos do piano quanto na letra em que um homem confessa não compreender porque o amor acaba sempre complicando-se desnecessariamente, são as melodias cíclicas e as letras simples dos rapazes do Thirteen Senses. A emoção desmedidamente crescente da melodia e das letras de “Your Fractured Life” – em que sofrimento é exposto, mas também é exposta a vontade de não desistir de um amor -, não disfarça, igualmente, seu parentesco com a banda da região de Cornwall. Já a letra sobre um amor que se aproxima de seu fim, o piano e as sonoridades do teclado e em “Empty Space”, assim como o uso de bateria de ritmo bem marcado, orgão e piano de toques expressivos em “No More Running Away“, bem poderiam ser frutos do fabuloso trio Muse, ainda mais porque ambas possuem interlúdios sonoros que potencializam o apelo emocional das melodias e o vocal de Chris Wall volta a mostrar-se impressionantemente capaz de mimetizar influências de outros vocalistas. “Just Abuse Me” ainda tem algo de Matthew Bellamy nos vocais, mas tanto a letra, sobre um homem acorrentado ao seu amor por uma garota, quanto o rock juvenil que jorra do piano, guitarras e bateria não mentem: há muito de Supergrass ali. “Charlotte” e seus versos de estertores apaixonados e “I Like That”, na qual um homem assume sua submissão ao amor, também tem guitarras, pianos, bateria e vocais com a mesma euforia do Supergrass. E ainda sobra tempo para, na faixa escondida “Pee Wee Martini”, conceber uma melodia cujo instrumental lembra Pink Floyd e o espírito sugere algo que o Placebo já fez igualmente.
Walter Sparrow, funcionário do controle de animais com vida pacata e confortável, perde a noção de realidade e começa a agir de forma paranóica depois que lê o livro “O Número 23”, com o qual se deparou por mera casualidade.
O remix da canção “Magic Rabbit”, do My Brightest Diamond, ganhou ainda maior profundidade em seus tons góticos e sombrios. O diretor Murat Eyuboglu, inspirado por essa versão soturna e silenciosa da faixa, que privilegia enormemente o vocal de Shara Worden, não deixou por menos: pra tornar a coisa toda ainda mais aterradora ambientou a cantora em sequências e cenários que remetem diretamente ao estranho e mórbido vídeo do filme “O Chamado” – que por sua vez inspirou-se em “Um Cão Andaluz”, de Salvador Dalí e Luis Buñuel. O resultado final é uma brilhante transposição em imagens do clima funestro da faixa. Baixe o vídeo utilizando 
A moça de voz macia e cabelo farto nascida no Mato Grosso, Vanessa da Mata, com apenas dois discos lançados, conquistou espaço na MPB e já consagrou seu nome como uma compositora e intérprete de sangue azul no atual painel de nossa música. Com o lançamento de seu mais novo disco, Sim, Vanessa prossegue aplicando modificações gradativas em sua música, sem perder sua identidade musical particular. A maior novidade neste disco é a aromatização de algumas faixas na tradição do reggae, sempre de maneira elegante e respeitando o método de composição da cantora, bem como seu modo de cantar. Tanto na simplicidade de “Vermelho”, em que a cantora compara o aconchego e as dores do amor ao calor desta cor, na deliciosa balada “Ilegais”, onde a artista comenta sobre a paixão que insiste em esconder, vontade esta traída pelo desejo fremente que seus corpos denunciam, na fraca e desnecessária “Absurdo”, faixa de protesto que critica à ação humana contra a natureza, quanto no suavidade de “Boa Sorte/Good Luck”, com letras que falam sobre como uma relação chega ao seu limite, conseguimos reconhecer de modo inequívoco a cadência inconfundível do ritmo jamaicano. Mas se o reggae surge encaixado no modo da artista, o bolero, adotado por Vanessa na faixa “Meu Deus” surge da maneira mais tradicional: na letra, que não economiza no romantismo, a cantora fala sobre um homem deslumbrante que a conquistou de maneira avassaladora com sua luxúria e seu jeito forte. Já “Pirraça”, qualquer que seja o modo como a própria Vanessa tenha descrito seu ritmo – carimbó, juju, cumbio -, é das melhores faixas de todo o álbum: impossível não se identificar com a ironia de suas letras, que descrevem a sensação de que o tempo brinca com nosso cotidiano, voando nos momentos mais prazerosos e arrastando-se nos instantes mais maçantes, e com sua melodia tão bem apurada que, a revelia de qualquer relação que a artista tenha feito com ritmos mais exóticos, me soa como um calipso (por deus: falo do gênero, não “aquilo” que temos no Brasil!) menos esquizofrênico – e notem o cuidado com que a a percussão foi planejada, lembrando o ruído de um relógio, quase sempre um tanto surdo mas que também nunca passa despercebido. “Você Vai Me Destruir”, onde a cantora comenta os desejos conflitantes de paixão flutuante e ódio exacerbado despertados pelo amor um tanto displicente de um homem, é mais rockeira – mesmo com suas traquinagens eletrônicas e percussivas. Pra não deixar barato nos ritmos variados que povoam o disco, a canção em que a cantora ironiza o fim de uma relação antes tão calorosa, “Fugiu Com A Novela”, pisa brincalhona no terreno sempre gostoso do samba-bossa. Como se não fosse o bastante, “Minha Herança: Uma Flor” é uma daquelas canções de amor de Vanessa que, sem nenhuma pretensão e com toda sua placidez e simplicidade, consegue causar arrepios, tão plena é sua beleza.
O mais recente filme de Sofia Coppola, Maria Antonieta, é uma biografia da aristocrata franco-austríaca que tem como ponto de partida a saída de Maria de seu país natal, a Áustria, aos 14 anos, para casar-se com o jovem e futuro rei Luis XVI, e encerrando-se com ela e sua família abandonando o palácio de Versalhes, na eclosão da revolução francesa.
Outro vídeo de outra entre muitas bandas tentando se lançar no mercado. Mas, sou obrigado a dizer uma coisa: a julgar por este vídeo e esta música especificamente, esses aqui tem apelo pop inegável. Apesar de os principais integrantes da banda serem dois, Lisa Light e Scott Blonde, apenas este último é apresentando no vídeo, entre um punhado de crianças dançarinas. E, meus caros, com o perdão do palavreado carregado na tônica gay – e poderia ser diferente com este tal Scott? – a bicha abafa: sem vergonha nenhuma, o loiro, convenientemente trajado apenas com calça jeans e jaquetinha de couro – hum…básico – requebra-se todinho até mais do que Robert Plant em pleno palco nos seus melhores dias – esse cara é tão mas tão pouco discreto que ele não passaria sem ser notado, dançando deste jeito, nem em uma festa rave repleta de gente tendo ataques epiléticos. Para um clipe que, segundo o próprio protagonista do vídeo e seu diretor, não queriam que soasse gratuitamente pop, há bastante glamour luminescente, rajadas de luzes estroboscópicas e coreografia espalhafatosa/cool. Ave-Maria, imaginem se eles quisessem fazer um vídeo pop? Mas, é bom dizer, eles declararam que também pretendiam fazer um vídeo divertido. Ah, tá. Sério, porque esse vídeo é realmente divertido: se não sentir uma vontade louca de incorporar um Scott Blonde cover você mesmo, já que a música é realmente de grudar na cabeça com sua batida e sua eletrônica gostosíssima, então ao menos o trabalho garante umas boas gargalhadas. Tudo bem, a parte das crianças roubando coisas do discreto no meio do vídeo, visto que a maioria delas é negra, não caiu muito bem e soa um tantinho preconceituosa, mas tem relação direta com a letra da canção. Vamos dar um desconto. Afinal ela (o Scott, ok?), é a tal (mesmo).
Com o lançamento de Welcome To Sunny Florida, o DVD ao vivo de Tori Amos que trouxe aos fãs o último show da turnê do disco Scarlet’s Walk, a cantora resolveu presentear os fãs com algo mais: acompanhando o DVD havia um EP bônus com 6 canções provenientes do projeto Scarlet’s Walk que acabaram não entrando no disco, algumas até então disponíveis apenas por streaming no colossal site especial do disco, o Scarlet’s Web. Estas canções foram cortadas da edição final do álbum por atrapalharem de alguma forma o conceito do disco por dissonância ou mesmo semelhança com outras faixas, por exemplo. A sonoridade e a temática são praticamente as mesmas do álbum original, trafegando entre a melancolia explícita e o rancor irônico. Nos domínios da primeira sonoridade estão “Ruby Through The Looking Glass”, a história de uma gestante que sofre abusos de seu marido, prometendo que jamais permitirá que sua filha testemunhe esse sofrimento, “Seaside”, sobre uma menina que conta como perdeu repentinamente uma amiga, uma das inúmeras vítimas de uma guerra, “Apollo’s Frock”, que tematiza sobre a eterna diferença entre masculino e feminino e “Indian Summer”, de poética extramente bem desenhada, recorrendo a sensação de algo que desperta tardiamente dentro de nós e o sentimento de plenitude e satisfação que vivenciamos neste momento, além de fazer, simultaneamente, referência à erradicação dos nativos americanos e ao mais recente estado contínuo de guerra – todas elas tem o piano e voz como principais agentes sonoros, ambos envoltos em complexa harmonia melódica, com introduções carregadas de emoção e tristeza palpável, contando apenas com eventual e tímida participação de alguns poucos acordes de violão. Dentro do esquema sonoro da segunda vertente, temos “Bug A Martini”, que brinca com o mundo da espionagem, e “Tombigbee”, que versa sobre como os americanos tomaram uma grande porção de terra indígena nos arredores do rio que dá nome a canção, ambas sem contar com a presença do piano – no seu lugar temos os teclados Wurlitzer e Rhodes em acordes repletos de devaneios semi-sensuais ou amargamente animados, acompanhados de bateria e baixo em igual proporção de volume e ritmo.
O material restante do fantástico empreendimento solo da vocalista do Metric, batizado pela cantora como Emily Haines & The Soft Skeleton, está reunido agora no EP What Is Free To A Good Home? O disco contém as faixas que, por um motivo ou outro, acabaram não entrando no disco Knives Don’t Have Your Back. Por terem nascido nas mesmas sessões do disco lançado em 2006, as semelhanças são notáveis: os arranjos com metais, assim como aconteceu com as outras canções, continuam tendo destaque na harmonia das músicas. As duas primeiras faixas do EP, “Rowboat”, com letras um tanto difusas sobre a vida cotidiana e o amor, e “The Bank”, que aparentemente fala sobre o consumismo a que reduzimos nossa vida, já mostram isso de cara. Na primeira, os metais fazem uma pequena, lenta e triste introdução para acordes sofisticados e um tanto dissonantes no piano, e logo tomam parte continuamente na melodia, geralmente surgindo para ocupar os espaços não preenchidos pelo vocal da cantora, unindo-se à voz de Emily apenas no fim. Já a irresistível “The Bank” conta com uma bateria ritmada, porém sutil, inundando o fundo da melodia e levantando o palco para o vocal macio da compositora, seus acordes calmos no piano e, claro, o arranjo emocionalmente contido dos metais. Já “Telethon”, em que Emily comenta a inércia que nos impede de modificar a insipidez insistente de nosso cotidiano, contenta-se com piano e vocal tranquilos e pequena participação dos metais na conclusão da melodia – que cita uma canção do cantor Billy Joel. “Bottom of the World”, cujos vocais suaves falam sobre abandono e reclusão fraternal, economiza ainda um tanto mais melodicamente, compondo-se apenas de piano e um quase inaudível contrabaixo ao fundo. Por outro lado, “Sprig”, com versos abstratos sobre noites passadas em branco, põe na companhia do piano uma série de ruídos, alguns provenientes de programação eletrônica, outros obtidos de instrumentos acústicos, compondo uma espiral melódica sinuosa, extremamente tortuosa – parece fruto de improviso, mas ao contrário do que se possa pensar, resulta em uma melodia espetacularmente complexa. A última faixa do disco é uma mixagem alternativa de “Mostly Waving” que promove uma fusão da harmonia original da canção com aroma reggae, o que tira um pouco a preponderância dos metais na melodia.