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Jenny Wilson – Hardships!. [download: mp3]

Jenny Wilson - Hardships!Há cerca de 15 anos que não se sintoniza uma estação de rádio em qualquer período do dia e da noite sem correr o perigo de expor seus ouvidos à agressão causada pela insuportável mistura de ritmos antes distintos da música negra norte-americana, e que hoje pode ser resumido à um punhado de beats já catalogados featuring moçoilas lançando gritos e “miados” pretensamente sensuais e “manos” que nutrem a ilusão de encarnar a canastrice bad boy ao empostar um vocal que mais se assemelha a um arroto ou por, ao contrário, mimetizar uma voz que, ironicamente, é bem mais frágil e aguda do que a das moças. O conteúdo (?) coincide com a forma, procurando limitar-se a uma ostentação emergente de riqueza ou a enumerar peripécias sexuais do modo mais rasteiro permitido. Pra ajudar a deixar tudo o mais pasteurizado quanto o possível, encarregue um ou no máximo dois sujeitos para produzir os discos de TODOS os contratados do gênero pelas gravadoras e está feito: temos devidamente fabricado metade do catálogo de maior investimento das gravadoras e em média 80% do que estacionou há muitos anos em absolutamente qualquer top ten pelo mundo afora.
Por conta desse massacre sonoro que se mantém onipresente desde meados dos anos 90, fica difícil acreditar que algo de bom possa ser feito dentro destes gêneros musicais. Mas a sueca Jenny Wilson, com a mesma sensibilidade e ironia com as quais tripudiou sobre as agruras do amor e os rituais juvenis em seu disco de estréia, decidiu que essa seria a tarefa para Hardships!, o seu segundo disco.
A princípio isso pode parecer uma idéia que já nasce fracassada por conta dos excessos plantados sem qualquer noção de limite nos ritmos mais em voga da música popular negra norte-americana e que desse modo acabaram sendo fossilizados como suas maiores características. Porém, foi justamente ao manipular ao seu favor as suas excrecências, transformando em beleza e poesia o que na sua origem não passa de sujeira que a compositora conseguiu evocar a graça desejada aos ritmos.
“The Wooden Chair” e “Anchor Made of Gold” são duas das faixas que mais escancaram o poderio de subversão de Jenny ao lidar com o estilo. A primeira adota a rítmica lasciva e dançante dos hits que exploram a sensualidade e a converte em uma música elegante e estudada guiada por um baixo de pulso grave e ornada por clacks, palmas, estalos e tiques percussivos dos mais variados, além claro, de uma linha de vocais impecável; a segunda, com sua melodia entre a balada r&b e o hino soul normalmente resultaria em um single chato e enjoativo, mas trabalhados pelas mãos da cantora sueca os toques de piano e bateria e o cingir dos pratos dão um volume encantável a melodia enquanto os “claps” e backing vocals, tão maltratados pelos americanos, lhe dão um acabamento arrojado.
E são de fato os vocais, tão polidos e reluzentes quanto as jóias de um ourives, que compõe o encanto do musicalidade deste novo disco da artista sueca, como bem prova a música “Hardships” e a curta faixa que lhe faz introdução, “Motherhood”: surgindo em fade in, um coro de vozes em plena sintonia e afinação fascina os ouvidos com uma animada toada de feição gospel sobreposta à um pulsar grave e maciço tão natural que é possivelmente resultado do sapatear em piso de madeira, tudo apenas para abrir espaço para a melodia percussiva e acústica de “Hardships”. Esta apresenta uma música cravejada de cintilantes beats e acordes de piano, violinos e vibrafone com um brilho platinado intenso, mas é o reluzir dourado ofuscante dos vocais ondulantes que dá corpo e sofisticação a harmonia. A balada “We Had Everything” levanta ainda mais os vocais para o primeiro plano, numa composição fabulosa de vozes junto ao cantar esplendoroso de Jenny com o lamuriar deslumbrante de violinos e pianos preenchendo o ar com o aroma doce de sua melodia. Encerrando o disco, “Strings of Grass” sintetiza a experiência de Hardships! com uma música que, assim como o disco, apresenta sinuosidades sonoras rebuscadas que tornam difícil sua classificação, mas que no entanto consegue preservar com tranquilidade nuances suaves ao unir aos vocais piano, sax, flauta e alguma percussão em delicada consonância.
Nem todas as faixas que nascem do flerte da idiossincrasia natural das composições da artista sueca com o soul e o r&b soam atraentes, é verdade, porém os triunfos de Hardships! são suficientemente bons para fazer os poucos insucessos figurarem como meros detalhes. Era de se esperar, uma vez que a moça até se apresentou na capa do disco com a sóbria serenidade de um vestuário à moda Coco Chanel, mas fez questão de mostrar a sua disposição empunhando um belo e amedrontador rifle. Nem era necessário: para dissipar qualquer reminescência que as moças trajadas com o figurino tipicamente Daspu deixaram no r&b, o requinte e a classe de Jenny Wilson, assim como o estranho calor do seu falsetto escandinavo, foram suficientes.
Baixe o disco utilizando o link a seguir e a senha para descompactar os arquivos.

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Se quiser, leia uma outra opinião sobre o mesmo disco no texto escrito pelo .

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“A Vida dos Outros”, de Florian Henckel von Donnersmarck. [download: filme]

Das Leben der AndererEm 1984, na Alemanha Oriental, Weisler, um espião que já não está na ativa é recrutado pela Agência de Segurança Nacional para liderar a espionagem de um escritor e dramaturgo, Georg Dreyman, e sua namorada, uma atriz de renome, por conta da receio de que Dreyman pretenda inserir idéias contrárias ao socialismo em suas obras.
Esqueça a estilística pós-moderna e algo arrojada dos longa-metragens alemães que fizeram sucesso nos últimos anos: o filme de estréia de Florian Henckel von Donnersmarck é um legítimo representante do cinema mais austero que formou a identidade da produção cinematográfica da Alemanha, firmando sem hesitação seus pés nas técnicas e métodos mais tradicionais do cinema. O que pode parecer uma decisão que geralmente resultaria em um longa-metragem aborrecido e pesado na verdade cria solidez para que o diretor desenvolva com mais afinco dois dos elementos mais fundamentais de qualquer narrativa: a trama e os personagens.
A história do espião e interrogador de personalidade forjada pelas exigências de sua ocupação e pela fé nos seus ideais que se depara surpreendido pelas suas atitudes ao executar a espionagem de um casal de artistas talentosos que esforçam-se em manter uma produção artística de relevância que escape da censura socialista é encadeada sem correria no roteiro composto pelo próprio diretor, que também injeta uma tensão permanente sem apelar para artifícios habituais como sequências de ação e violência, edição frenética e trilha sonora vigorosa – a tensão de “A Vida dos Outros” é mais profunda, obtida pelo ponderamento silencioso dos personagens em desafiar os rigores do regime político da Alemanha Oriental para revelar seus reveses.
Mas é o escrutínio da personalidade dos que habitam a trama, em particular do espião Gerd Weisler, que intrigou os críticos. Alguns consideraram incongruentes e nada convincentes as atitudes que o oficial alemão toma enquanto executa sua missão, já que para estes críticos tanto a personalidade de Weisler quanto os acontecimentos da trama não dariam qualquer respaldo para que ele passasse a agir dessa forma. Porém, essa afirmação não procede, e isso não é nada difícil de ser perceber. Tanto o roteiro quanto o personagem fundamentam essa transformação. Primeiro, porque o roteiro não apenas dá o pontapé inicial nesta mudança de comportamento de Weisler a partir do momento que ele se dá conta das motivações e relações incidiosas de seus superiores e passa então a causar interferências irreversíveis na espionagem, como o texto ainda pavimenta definitivamente a alteração em duas belas cenas – quando Weisler lê fascinado um texto de Brecht e logo mais quando o espião permite-se um choro tímido ao ouvir o réquiem ao piano conduzido por Dreyman. Segundo, porque Ulrich Mühe, consciente de qual era a concepção de seu personagem dada pelo argumento, respondeu com uma performance que não entrega de forma óbvia a mudança de Weisler, concentrando em delicadas sutilezas (como quando ele apresenta um olhar e gestual hesitante e reticente ao ser obrigado a abandonar seu turno em um momento crucial da vida íntima do casal que espionava) a modificação que o personagem experimenta – uma interpretação espetacularmente congruente e ajustada ao homem solitário, que sempre se entendeu um agente frio e imparcial que não exterioriza emoções “gratuitamente”.
Essa, por sinal, não é uma característica apenas do personagem, mas do filme como um todo: o roteiro e a direção de von Donnersmarck consolidam no longa-metragem um comedimento inteligente na abordagem de situações de emoção, desviando-se de qualquer possibilidade de adotar excessos – seja na performance do elenco, no trabalho das câmeras, na edição ou na trilha sonora – que certamente contribuiriam para trajar a película com o figurino mais ordinário e barato. A última meia-hora do filme é a que coroa impecavelmente este tratamento elaborado por von Donnersmarck para narrar sua história, pois é partir daí que o filme alcança níveis arrebatadores de emoção sem resvalar um momento sequer na vala comum da pieguice, preservando a sensibilidade lúcida que permeou todo o filme até mesmo no seu epílogo, que certamente seria reduzido à uma sequência que abusaria do sentimentalismo barato se fosse conduzido por boa parte dos cineastas hoje na ativa, alguns no métier há muitas décadas – um feito impressionante para um diretor em seu trabalho de estréia.
Baixe o filme, já com legendas em português embutidas, utilizando os dois links a seguir.

megaupload.com/?d=569S4LVL
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The Boy / Fevereiro 2009: todo Roni Mazon [fotos]

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Já perdi a conta de quantas vezes eu disse aqui – e mesmo fora daqui – de como adoro um moreno de olhos castanhos ou escuros. Não que eu não curta morenos de olhos claros ou loirões, eu caio de amores por eles – basta lembrar dos modelos loiros do The Boy por quem eu sou simplesmente tarado (oi, Matheus Verdelho!), ou pensar, vejamos, naquele loiro belzebu que é Paul Walker. Mas é que esses morenos aos quais me refiro fecham direitinho no meu ideal, por assim dizer. Não à toa, por exemplo, tenho uma sina obssessiva por Ben Affleck, Matthew Fox e Ryan Reynolds – imagino que alguém aí deve estar gritando que Ryan é loiro, mas pra mim ele sempre pareceu moreno e além do que eu tenho mesmo uma certa deficiência em discernir alguns tons. De qualquer modo Ryan Reynolds é moreno pra mim e não tem conversa (risos). Mas pra quê eu disse isso tudo, ora porra? Ah, é só pra explicar que Roni Mazon, modelo deste mês de fevereiro no The Boy, definitivamente não é meu tipo de moreno (ei…ele é moreno, né?).
Corpo definido, malhado, gostoso temos ao borbotões no The Boy e chega a ser brincadeira hoje em dia encontrar esses corpos desfilandinho aí pelas ruas das cidades do nosso Brasil varonil. Roni tem esse corpão, isso é bem nítido, porém os traços de seu rosto não me agradam – a boca e o nariz vistosos não convivem harmonicamente com seu rosto magro, algo triangular. Pra ajudar mais ainda a discrepância reinante em sua face, o corte de cabelo do rapaz tem aquele ranço anos 80 que fez a fama de John John (o Kennedy) – e não há tesão que resista à esse paradigma da breguice na década de 80 (me refiro ao corte de cabelo). Tivesse Roni Mazon, ou a produção do ensaio para o The Boy, dado mais atenção ao tino para a beleza contemporânea, que certamente eles devem ter, perceberiam em poucos segundos que esse cabelo não é um sinal de charme em nenhum ponto do ocidente, por mais remoto que o lugar seja.
E já que falamos em produção, devo dizer que o ensaio em si não foi ruim, variando bem nas locações e figurino escolhidos e com um uso bastante coerente de fotografia. Os únicos problemas ficam por conta do traje de fazendeiro. Primeiro, porque convenhamos que aquelas botas imensas não fazem mais do que esconder as pernas do modelo, e segundo que a calça mais alva de que as penas mais brancas da pomba da arca de Noé, combinada com a fotografia que faz vazar toda a luz da Via Láctea deixa qualquer um mais cego do que se tivesse visto essa luz, que só pode ser Jesus – com a licença de Roberto Carlos. Pontinho negativo também para a insistência em economizar nas fotos de nu que venho notando em alguns dos últimos ensaios do site – já não basta ter diminuído consideravelmente o número total de fotografias ainda inventam essa modinha de ficar regulando fotografar o modelo sem roupa? Vamos parar já com essa palhaçada de fazer doce com a nudez dos rapagões porque até a igreja católica está tirando proveito da beleza de seus párocos (não, safadinhos, os padres não ficam nus), e olha que isso não é de hoje não, viu?
Deu pra perceber que pra mim foi bola fora, não é? Mas quero saber mesmo quanta gente concorda e discorda de mim, e como sempre espero que vocês o digam no campo de comentários.

Clique neste link para conferir todo o ensaio do site The Boy com o modelo Roni Mazon.

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Liz Durrett – Outside Our Gates. [download: mp3]

Liz Durrett - Outside Our GatesDesde seu disco de estréia, Liz Durrett vem lapidando mais e mais suas canções, ampliando a gama harmônica das músicas, a poética de suas letras e a intensidade das emoções por ambas despertada. E a garota tanta trabalhou que em seu terceiro disco, Outside Our Gates, todas as canções despertam interesse de quem as ouve pela beleza à elas inerente, em todas suas gradações e modalidades. A exemplo disto, a modulação invariável dos vocais e o equilíbrio melódico da guitarra, baixo e bateria de “Wild As Them” concede-lhe rítmica bastante tradicional, típica de um single, mas isso não lhe retira o encanto produzido pela artista e seu produtor, Eric Bachmann, presente com ainda maior fulgor em faixas menos lineares, como pode ser conferido no balanceamento entre estes instrumentos e as notas emanadas dos violinos em “All of Them All”, que soam como um forte vento de outono que carrega em seus braços invisíveis todo sofrimento existente.
Mas isso nem se compara ao trabalho ainda mais fabuloso da dupla em outras músicas, ainda mais intensas em sua carga de sentimentos e sensações. É o caso da flutuante melodia dos toques cálidos no violão, piano e bateria e dos acordes resignados das guitarras que evaporam notas no vácuo sonoro em “In The Eaves” e dos vocais e violão telúricos, etéreos de “The Sea a Dream”, canção que aposta de modo certeiro na simplicidade para encontrar a frequência exata das sensações de quem a está ouvindo. “Lost Hiker” também envereda por uma solidez silenciosa, apoiando-se tão somente em piano, baixo e guitarra lentos e tímidos, cadência que lembra muito as melhores composições de Cat Power no disco You Are Free. Com Cat também assemelha-se a atmosfera de “Always Signs”, mas o faz inversamente a “Lost Hiker”, confiando na elaboração de um ruído mais assumidamente rockeiro ao capturar o aroma das guitarras, baixo, bateria e vocais em síncope farta que sua colega americana tão bem soube compor no seu disco de 2003.
E se você pensa que acabou por aqui, engana-se. As emoções ainda afloram sobremaneira em mais duas faixas de Outside Our Gates, já que dificilmente alguém consegue conter-se ao desfrutar da beleza do cantar abatido de Liz acompanhando o violão, guitarra e orgão de acordes desamparados, lentos e sôfregos como um choro que foi abafado para esconder a dor na arrebatadora canção “Not Running”, ou ainda quando se é invadido pela ternura desmedida do arranjo das cordas e sopros que acompanham o vocal, violão e bateria de aroma doce, adornado pelo pizzicato que cintila brilhantemente na metade final da primorosa e irretocável “You Live Alone”.
Certamente embebido em emoção depois de desfrutar destas preciosidades, não há como o ouvinte não concordar que as composições de Liz Durrett tem, ao menos agora, o incrível poder de hiperventilar sensações adormecidas, esquecidas dentro de si, como um verdadeiro estimulante sonoro. E pensar que há tanta gente por aí com uma dezena de álbuns no currículo e nem sequer compreenderam como se consegue atingir o que essa garota fez já no seu terceiro lançamento. Mas tem um lado bom na existência deste bando de incapazes: a multidão de artistas sem talento serve, ao menos, para abrilhantar ainda mais aqueles que o tem de sobra.
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Damien Rice & Seu Jorge no Centrosul, Florianópolis.

Coisa de cinco minutos eu estava entrando no Centrosul, local da apresentação do músico Damien Rice na capital de Santa Catarina. Logo na portaria recebi uma discreta [ironia] pulseira laranja, que identificaria meu setor dentro do espaço utilizado para o show. Não querendo fazer hora, entrei logo no salão, dividido em três setores por barras metálicas. Sentei-me, lá pelas 20:30hs, na segunda fileira e fiquei aguardando. Depois de alguns minutos dando uma geral no local, saquei meu iPod Touch pra ouvir música enquanto aguardava o show e descobri que alguém, inadvertidamente ou não, deixou a rede wi-fi do local sem criptografia. Nada melhor do que esperar um show ouvindo música e navegando na internet ao mesmo tempo. E eu tive que esperar um tempinho bem razoável – o show atrasou mais de meia hora.
Damien Rice em FlorianópolisE era pouco mais de 21:30hs quando Damien Rice entrou no auditório pelo lado direito e subiu ao palco acompanhado somente de seu violão. Depois de cerca de duas músicas, o cara começou a conversar com a platéia, e daí pra frente não parou mais. Cada música que Damien tocava era precedida por um comentário, uma história de como a canção foi criada ou uma impressão qualquer, como da sua vinda ao Brasil ou de sua visão sobre as relações humanas. A cada vez que Damien parava para expor algo na sua fala calma, pausada e plácida, eu descobria que ele é o exato inverso do que sua canções dão a entender: artista de composições, em sua maioria, tristes e sofridas, Damien Rice se mostrou um homem dotado de um humor discreto e de ironias finas, muito distante dos comentários e histórias expressadas como certezas e opiniões aborrecidas por uma parcela considerável dos artistas. Com isso, a platéia não apenas se emocionava com as canções do artista, mas era constantemente estimulada pelas suas histórias e “causos”.
Depois de um set de cerca de seis músicas, Damien Rice anunciou a entrada de Seu Jorge, com mais uma história sobre isso, claro, e aproveitou para fazer seu intervalo. E ele não foi curto: o cantor e compositor brasileiro só saiu do palco depois de cantar seis músicas, entre composições suas e de outros artistas brasileiros. O público foi educado e se comportou bem, aproveitando a apresentação de Seu Jorge e agradecendo com entusiasmo cada música sua. Mas o público estava mesmo ali para ver Damien Rice, e não havia como não notar a ansiedade silenciosa dos espectadores com relação ao retorno do cantor irlandês.
Damien Rice em FlorianópolisE quando Damien surgiu novamente, sua volta não foi sem impacto. O cantor subiu ao palco ainda ocupado por Seu Jorge e chamou a parcela da platéia mais à frente para lhe fazer companhia. Obviamente que todos aqueles que se encontravam nos setores bloqueados se mostraram um tanto frustrados, mas a maioria se conformou com o situação e aproveitou o espetáculo que se formava à sua frente: rodeado por mais de trinta pessoas sentadas ao seu redor, Damien Rice começou a cantar “Volcano” e, a certa altura, resolveu interromper seu canto para distribuir entre os novos ocupantes do seu palco e o restante da platéia a execução do backing vocal da faixa, orientando homens, mulheres e a platéia ao fundo sobre como deveriam acompanhá-lo – foi um momento de enorme descontração, uma espécie de oficina de canto improvisada em que todos no auditório sentiam enorme proximidade com o artista irlândes. Mas essa surpreendente intimidade de Damien com a platéia não acabou por aqui.
Depois de mais essa demonstração de simpatia, Damien saiu do palco brevemente apenas para retornar para cantar “Cannonball” de um modo surpreendente: a princípio confundido pela platéia como um deslize técnico, Damien executou à canção sem o apoio da aparelhagem de som, fazendo ecoar no salão apenas a extensão natural de seu vocal e do seu violão. A platéia logo entendeu e manteve-se em silêncio absoluto para aproveitar ainda mais esse momento ainda mais intimista do artista com seu público.
E o cantor europeu resolveu guardar sua canção mais conhecida para os momentos finais. Primeiro cantada por Seu Jorge, na sua versão em parceria com a brasileira Ana Carolina, Damien Rice, que estava sentado no palco assistindo o colega cantando, levantou-se e deixou a platéia vidrada com a execução original de “The Blower’s Daughter”.
Damien Rice em FlorianópolisE quando eu estava achando que o show já tinha chegado ao seu fim, o irlândes volta-se para a platéia, ainda anestesiada pelas sensações despertadas por uma das suas músicas mais famosas, e pede que aguardem o palco ser devidamente equipado para sua última canção. Logo, três cadeiras e uma grande mesa, sobre a qual se encontravam taças e garrafas de vinho, estavam sobre o palco. Em duas das cadeiras sentaram-se Seu Jorge e uma amiga irlandesa de Damien que falava português razoavelmente, incentivadora de uma ONG que se instalava na cidade e para a qual toda a renda do show seria revertida – diga-se de passagem, motivo maior da vinda de Damien para o Brasil. Personagens em seus postos, o cantor irlandês iniciou a “dramatização” da história da música “Cheers Darlin”: enquanto ele desenrolava o novelo do “conto”, sobre um homem e uma mulher batendo papo em um bar para matar o tempo a hora de ir embora, Seu Jorge e a irlandesa se revezavam na tradução do que Damien contava, bem como interpretavam os papéis definidos na canção – e, assim sendo, as garrafas de vinho foram sendo esvaziadas pouco a pouco pelos “atores” e pelo narrador da história, já que o consumo da iguaria é parte essencial da história contada. E os três se esbaldaram: logo que era virado uma taça, Damien voltava-se para a platéia e inventava na história mais um motivo para um brinde, e la se iam mais três taças de vinho. Foram umas cinco rodadas ou mais, até que Damien, para delírio da platéia, ofereceu uma interpretação fabulosa de “Cheers Darlin”, repleta de emoção, ironia e com direito a uma impagável simulação de embriaguez e inconformidade – foi uma perfomance tão impecável que depois de muito aplaudir Damien e seus “assistentes de palco” o público esvaziou o auditório visivelmente extasiado, sem muito falar mas com enormes sorrisos expressando a enorme satisfação de ter testemunhado uma das noites mais inspiradas de na carreira de Damien Rice.

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Damien Rice em Florianópolis – É hoje.

Damien Rice no BrasilDepois de muito vai-não-vai, diz-que-disse, o show de Damien Rice foi confirmado em Florianópolis para a noite de hoje. Algumas coisas relativas à estão apresentação, no entanto, estão interferindo na minha efetiva animação para a apresentação do cantor e compositor irlândes por aqui. Primeiro, poucas vezes vi algo tão pouco divulgado quanto este show por aqui. Nem sinal de outdoor, chamada na TV, matéria em jornal ou mesmo um artigo decente em algum site ou portal local. Segundo, as informações sobre a natureza do show também são desencontradas: alguns afirmar ser um show beneficente, mas a produtora do evento em momento algum se referiu à ele como tal. E por último, o elemento mais bizarro de todos: o local escolhido para a apresentação de Damien, o Centrosul, um centro de convenções. Em sua passagem pela capital de Santa Catarina, Damien Rice não se apresentará em um teatro ou mesmo casa de shows, mas sim um local planejado para abrigar simpósios, fóruns, mostras e derivados – até feira de artesanato já vi ter esse lugar abrigado…isso pra não falar naquelas convenções médicas super divertidas. Parece óbvio pra qualquer pessoa até com meio cérebro – como diria o pai de Lindsey Lohan – que um centro de eventos e convenções não é o lugar mais adequado para servir como palco de um show musical, ainda mais de um artista tão intimista como o irlandês. A experiência passada de shows efetuados no pavilhão central do local, bem como o evento mais comumente realizado no seu pavimento superior, usado para formaturas, deixam claras sua inaptidão acústica e a sua falta de adequação para a expectação adequada de um evento musical, servindo como comprovação daquilo que alguém já pode ter idéia apenas olhando para o lugar, mas os fãs do cantor em uma de suas maiores comunidades do Orkut não parecem nem um pouco incomodados, sentindo-se enormemente felizes com a localização bem cômoda do Centrosul. Entendo, claro, a sempre enorme felicidade em receber um dos seus artistas favoritos, mas isso não é motivo para que eu aja como um fanboy idiota que não percebe, ou pior, ignora os possíveis problemas da organização e da realização de qualquer evento pura e simplesmente porque é um show de alguém que eu tanto goste. Mas tudo bem: eu admito que estou pedindo demais de gente que, só pra dar um exemplo, afirma que não poder beber e fumar à vontade em um show de música tem bem menos graça do que aproveitá-lo sem essas distrações e vícios. De fato, pedir sensatez de pessoas com preocupações relacionadas a elementos que não tem qualquer efeito sobre a qualidade da apresentação do artista é inútil.
Claro, espero sinceramente que eu esteja ao menos parcialmente errado. Porém, mesmo que problemas que prejudiquem um pouco o aproveitamento do show se apresentem, será pra lá de prazeroso encerrar minhas férias desfrutando ao menos um pouco da quase intangível beleza das composições de Damien Rice – não sou exatamente um fã inveterado do artista, mas é muito mais por o ter conhecido quando já estava cultivando o hábito de inflar sobremaneira meu repertório de artistas do que por não apreciar inteiramente seu trabalho. Mesmo que não esteja lá no topo das minhas prefências musicais, as canções de arranjos delicados e o cantar repleto de emoção do irlandês não tem como não atingir qualquer um que tenha um mínimo de sensibilidade artística. Agora, é aguardar algumas horas pra aproveitar as músicas do moço que até hoje guarda um jeito de cantor de rua.

P.S: Alanis Morissette também vais dar as caras por aqui no próximo fim de semana, mas essa já é uma opção quase totalmente descartada pra mim. A casa noturna escolhida para o show da canadense (uma tal de Pachá, que um dia já foi X Music Hall e mais tarde El Divino-qualquer-bosta) é totalmente fora de mão pra qualquer um que não seja o feliz dono de um automóvel e o preço do show, mesmo na pista, é um pouquinho salgado. Porém, é mesmo o fato de que nunca fui um ávido apreciador de sua obra que realmente conta para que eu não tenha assim tanta vontade de conferí-la ao vivo. De Alanis eu só gostei mesmo dos três primeiros álbuns e, de forma geral, eu de fato apenas gostei, não adorei – não é algo que tenha me arrebatado, pelo menos até hoje. Talvez a coisa mais chata em não estar presente neste show seja mesmo perder a oportunidade de jogar no palco um pôster de Ryan Reynolds com os dizeres “JUST TO REMEMBER WHAT YOU’VE LOST, HONEY!”. Mas, como o último disco de Alanis é, pra variar, inspirado em suas experiências afetivas, provavelmente isso seria desnecessário – porque, sinceramente, “Flavors of Entanglement” só não recebeu o nome de “Flavors of Ryan Reynolds” pra isso não ficar totalmente na cara.

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“Por Conta do Destino” (“Heights”), de Chris Terrio. [download: filme]

HeightsEm Nova Iorque, um jovem advogado, sua noiva fotógrafa, a mãe desta – uma atriz de fama e renome -, um jovem ator de teatro alternativo e um escritor britânico vão lidar, dentro do espaço de um dia, com problemas e conflitos que há muito vem ocultando e que, de algum modo, vão alterar o curso que suas vidas tomava.
A revelação de um maço de cigarros escondido pelo personagem de James Marsden, ao ser questionado por sua noiva se haviam jogado todos fora, não é feita no início de “Por Conta do Destino” sem intenção. O que a princípio pode parecer algo sem importância, na verdade sintetiza a principal substância destilada no argumento do longa-metragem: as mentiras, ou melhor ainda, as verdades que escondemos dos que nos rodeiam e principalmente de nós próprios. Os motivos para tanto não são difíceis de se imaginar, e vão sendo revelados aos poucos na trama de cada personagem: alguns o fazem para manter uma vida de aparências, outros para sustentar para si a ilusão de uma vida que não é a sua, outros ainda o fazem para ter alguma felicidade, mesmo que insuficiente, e um dos personagens o faz por todos os motivos citados. Apesar de procurar embricar estas tramas entre todos os personagens, a preocupação da roteirista Amy Fox não é em momento algum estabelecer desvendamentos surpreendentes, reviravoltas mirabolantes ou direcionar a história para possibilitar o encontro entre todos na sequência final do longa-metragem – artifício dos mais recorrentes em filmes cujas tramas são entrecruzadas. O roteiro, baseado em peça de teatro de sua autoria, tem como objetivo tornar esta procissão de revelações e de relações, executada em poucas horas, o mais próximo possível da ordinariedade.
As soluções planejadas pelo diretor Chris Terrio, como a predileção pelo posicionamento mais estático da câmera sutilmente cambaleante, a trilha sonora quase inexistente, que resume-se à alguns acordes de guitarra, e a fotografia e cenografia naturalistas contribuem muito para tornar os rumos tomados pela trama como acidentes da casualidade, aproximando a natureza destas “fatalidades cotidianas” com aquelas que ocorreram ou possam vir a ocorrer em nossas próprias vidas. O elenco afinado com o tom dado a história pela direção e pelo argumento, também responde por parte da tarefa, atingindo com as atuações comedidas o nível exato de verossimilhança exigida para os personagens, para seus comportamentos e suas reações. Porém, o maior mérito de ter conseguido alcançar essa tonalidade realista na história cabe mesmo à dois elementos contidos no argumento de Amy Fox. O primeiro seria o fato de ela escolher misturar no roteiro acontecimentos de diferentes naturezas – os que são obra do acaso com outros que não se configuram como mera coincidência -, o que faz com que a dinâmica deles soe mais realista. O segundo seria a o cenário destas tramas entrelaçadas de desilusões e recomeços, New York. Se por um lado a palpabilidade daquelas relações a acontecimentos casuais do roteiro parece ser pouco natural num universo humano tão gigantesco, por outro é justamente essa densidade populacional, com todas a sua redes infinitamente interligada de relações, que torna isso plausível.
Por não ter se apoiado ostensivamente em artifícios técnicos e estilísticos para construir um caráter diferencial imediato e por não explorar de forma polêmica as temáticas que aborda, “Por Conta do Destino” acaba como um longa-metragem menos pretensioso, e até sensivelmente mais sólido, do que aqueles de mesma natureza que tanto fizeram sucesso de crítica e público nos últimos anos. É provavelmente por isso que o filme tenha passado tão despercebido e ignorado quando do seu lançamento – infelizmente, muitas vezes esse é o preço que se paga pela simplicidade.
Baixe o filme utilizando os links a seguir e a legenda proposta.

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legendas (português):
legendas.tv/info.php?d=337baf52b7ba27d4fcedb45ff7e6f3b7&c=1

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The Boy / Janeiro 2009: todo Fernando Bacalow [fotos, inclui Paparazzo]

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Pode ter sido pura coincidência, mas não há como não pensar em um bocado de oportunismo ao descobrir que o primeiro modelo do ano de 2009 no The Boy do Terra é Fernando Bacalow, também conhecido como Fernando Luiz ou ainda mais conhecido como Justin (o que eu nunca entendi porquê, por sinal), justamente no mês em que a Rede Globo dá partida ao seu reality show anual mais rentável, o Big Brother Brasil. Se isso já não se configurasse ao menos como um sinal de preguiça ou de uma vontade de tornar o site desnecessariamente mais popular, há um outro, e todos já devem imaginar qual é. Como a maior parte dos gostosões candidatos a (sub)celebridade que entram no programa, Fernando já foi clicado pelo site Paparazzo, o único que pode ser considerado rival do site de ensaios fotográficos do Terra. E, sendo assim, é inevitável retomar o ensaio anterior do rapaz para estabelecer uma comparação final, mesmo que breve, do que foi obtido por ambos, já que bem poucas vezes ambos os sites fizeram uso mútuo dos mesmos modelos.
Antes de qualquer coisa, vamos olhar o modelo com atenção. Fernando tem um corpo lindo, quanto a isso não há um porém sequer: peitão volumoso, daqueles que você sente olhando que as mãos tem muito onde pegar, tudo adornado por mamilos bem morenos, abdômen liso e uniforme, braços fortes na medida certa, um bom par de pernas peludas, uma bunda cheinha, muito bem desenhada e um volume considerável na parte da frente da cueca, emoldurado por uma bela quantidade de pelos escuros – no quesito corpo, não há o mesmo do que reclamar. Minha implicância com o chamado Justin, pra variar, é com a combinação de traços do rosto, já que o conjunto formado por nariz, boca e queixo não lhe favorece muito. O morenão só fica realmente com um rosto agradável de se olhar quando esboça o sorriso maroto de que dispõe. E aí é que se forma o maior problema do ensaio de rapaz para o Terra. Sabendo de antemão que o moço tem o melhor de si quando esboça um sorriso, o que qualquer pessoa no lugar do fotógrafo faria? Tentaria obter do moço um belo sorriso em ao menos um quarto das fotos, claro. Mas contam-se nos dedos das mãos os momentos em que Fernando foi clicado exibindo seu ar mais declaradamente alegre. Na maioria esmagadora do ensaio o rapaz mantém uma expressão séria, quando não uma carranca fechada – o que poderia ser sexy em outro rosto, mas não é o que se obtém, deste modo, no seu.
O outro problema é o fato de que alguns dos atributos mais vistosos do rapaz nao foram completamente aproveitados – a bunda do rapaz poderia ter sido mais e melhor explorada em mais alguns bons cliques, sem necessariamente desnudá-la inteiramente – e o mesmo pode ser dito da parte da frente.
Mas há pontos bem positivos na realização deste ensaio. O mais evidente deles é a variedade de ambientes, vestuário e temática, deixando nas fotos a impressão de que há Fernando para todos os gostos e preferências. A iluminação também foi utilizada com bastante perspicácia, já que ela ajuda a deixar nítidos os belos detalhes do corpo do rapaz, como sua pele com um bronzeado moreno delicado, os pelos que que cobrem suavemente boa parte de seu corpo e algumas pintas tímidas nas suas costas. E, embora o número de fotos continue sendo insistentemente menor, em boa parte das fotos a beleza do rapaz é bem retratada, inclusive na sessão fechada, que consegue captar razoavelmente a virilidade e o apelo sexual provocante desse garotão moreno.
Comparando este ensaio com aquele feito há alguns anos para o Paparazzo, eu diria que há um empate técnico. Por mais implicância que possamos ter com a falta de qualidade, criatividade e ousadia do site de ensaios do portal globo.com, posso afirmar que tanto um quanto o outro soube explorar de Fernando aquilo que mais se adequava a proposta do site: não se revela tanto dos detalhes físicos mais libidinosos do famoso “Fernando Justin” no Paparazzo quanto no The Boy, mas excetuando-se a sessão “sou mano do morro” (dica: procurem os óculos ridículos), a produção da globo.com soube bem utilizar de recursos e alguns artifícios para explorar, dentro das limitações impostas, o tesão que o rapaz desperta nos olhos de qualquer pessoa – basta dar uma espiada na sessão de fotos em que o então Fernando Luiz exibia toda sua volúpia e sensualidade apenas com a ajuda de um boné, uma calça cargo de estilo militar e alguns “elementos de cena”, como uma corrente enferrujada.

Clique neste link para conferir todo o ensaio do site The Boy e do site Paparazzo com o modelo Fernando Bacalow.

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A Camp – Colonia. [download: mp3]

A Camp - ColoniaAproveitando o intervalo que sua banda The Cardigans tirou desde a última apresentação da turnê do fantástico disco Super Extra Gravity, Nina Persson voltou-se ao seu side-project, A Camp, que fez sua estréia em 2001 com um disco que injetou elegância ao country-rock. O novo álbum ainda conta com interferências do parceiro Niclas Frisk, de Mark Linkous, que produziu a primeira incursão do A Camp, e de músicos presentes na primeira incursão do grupo, como a americana Joan Wasser (da banda Joan As Police Woman), mas novas participações ganham papel integral, como Nathan Larson, marido de Nina e James Iha, ex-guitarrista do Smashing Pumpkins. Em Colonia, o novo disco, as referências ao country-rock somem quase que por completo, cedendo lugar à um pop que remete ao produzido no meio do século passado e que difere razoavelmente do que Nina já fez no início da carreira do The Cardigans, já que o produzido pelo A Camp é menos festivo e acelerado, preferindo fazer florescer melodias que sempre tem um “que” de tristeza e pisando no acelerador com muito maior parcimônia. É claro que esse caráter mais melancólico de Colonia fica mais óbvio em baladas de melodias tranquilas e sóbrias como “It’s Not Easy To Be Human”, que interrompe os poucos versos acompanhados de guitarra e sintetizações de tonalidades doces, calmas e tristes com uma epifania sonora de violinos e vocais de fundo sutis, e “The Weed Had Got There First”, cujo compasso letárgico e profundamente romântico é resultado da combinação das queixas de Nina ao microfone, do andamento lento da bateria, das cordas em ondulações levemente sensuais e da discreta participação da guitarra e de sintetizações, mas a atmosfera plangente está igualmente presente, ainda que de modo atuenado, nas canções mais sonoramente fartas. Isso se reflete na cadência arrastada da guitarra e da bateria e nos sopros e coro glamourosos que se alastram por todos os cantos da faixa “Stronger Than Jesus”, primeiro single do novo álbum, no ritmo imperioso que a bateria impõe no refrão da música suspendida por coros e pianos celestiais e pelas cordas graves que lançam-se em jatos precisos na melodia de “Love Has Left The Room” e até mesmo na aparente extroversão dos vocais e do compasso power-rock da bateria e do baixo e na pontuação deliciosamente dramática produzida pelas palmas e riffs de guitarra em “Here Are Many Wild Animals”.
Contudo, o que me chamou a atenção em A Camp foi a semelhança que me despertaram duas de suas faixas com outros representantes do mundo da música: enquanto “The Crowning”, desde os versos que pintam o cenário de uma irônica festa de homenagem até o ritmo do violão, piano, bateria, guitarra e harmonias dos sopros e cordas lembra, em cada detalhe, os momentos mais afetadamente teatrais de Rufus Wainwright – até mesmo o vocal de Nina remete ao cantar altivo e sarcástico do compositor americano -, algo disfarçado pela verve pop da espetacular “Chinatown”, provavelmente resultado da ambientação criada no trecho final da canção na combinação dos riffs resplandencetes da guitarra com o coro de múltiplas vozes que preenche o fundo da música com uma aura majestosa, me suscita…Pink Floyd. Não, eu não fiquei louco ou digitei errado – eu disse mesmo Pink Floyd. Por ter ouvido até gastar o cassete de The Division Bell em meu finado e nada saudoso Walkman em 1994, a ponto de não conseguir sequer olhar mais para esse disco, me acho no direito de estabelecer essa relação a primeira vista tão estapafúrdia – mas imagino que aqueles que conhecem bem este álbum conseguem, como eu, encontrar uma pontinha da sonoridade de algumas canções de The Division Bell em “Chinatown”.
Excetuando-se algumas faixas um pouco enjoativas, este novo disco do A Camp exala uma atmosfera ao mesmo tempo clássica e sofisticada, cujas melodias e letras persistem de maneira deliciosamente prazeirosa nos ouvidos como as notas aromáticas de um bom perfume o fazem no olfato de quem o percebe. Colonia é isso mesmo: uma nova fragrância de Nina que é resultado da sua alquimia sensível, que sempre consegue obter aromas requintados na união dos mais diversos ingredientes – sejam eles ervas, flores e frutos velhos conhecidos seus ou novas adições ao seu rico catálogo de botânica sonora.
Baixe o disco utilizando o link a seguir e a senha para descompactar os arquivos.

ifile.it/6i05rsa/camp_-_colonia.zip

senha: seteventos

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“4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias”, de Cristian Mungiu. [download: filme]

4 Luni, 3 Saptamani si 2 zileNa romênia do fim da década de 80, Otília e Gabriela, duas jovens estudantes de uma politécnica, uma delas grávida, se preparam para a realização de um aborto ilegal.
O elemento mais peculiar do filme de Cristian Mungiu é o retrato da ilegalidade em um país sob o jugo do regime socialista – no caso, o soviético. Desde a sua sequência inicial, que ilustra o comércio clandestino de itens importados em uma residência estudantil, até o processo de contratação de alguém que efetue o aborto, o espectador vai sendo apresentado à alguns exemplos dos obstáculos impostos pelo regime aos afazeres cotidianos e à privacidade dos que são governados, muitas vezes apresentando punições severas tanto para contravenções menos quanto para as mais moralmente reprováveis. A opressiva vigilância, típica destes regimes, também é alvo das lentes do diretor, que mostra ela ser exercida mesmo por prestadores de serviços particulares que se mostram sempre dispostos a cometer arbirtrariedades e grosserias por deter, de certo modo, uma posição de dominação diante do indivíduo comum.
Mas além do caráter político particular ao país que serve de cenário ao filme, “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias” também envereda por temáticas mais universais. É através da relação existente entre Otília e Gabriela que o diretor investiga a dedicação, a entrega, a confiança e o companheirismo entre amigos, em algumas circunstâncias fazendo-o de maneira sutil, em outras testando os limites e a equivalência destes sentimentos entre ambas as amigas ao expô-las de modo brutal à situações limite. O silêncio abissal e o visível deslocamento de Otília na longa sequência do jantar na casa de seu namorado é um dos momentos para que o diretor explore efetivamente a união existente entre as duas garotas, já que o comportamento dela é visivelmente o resultado de sua enorme preocupação em ter deixado a amiga sozinha. Contudo, ela não é a única a manter-se calada, já que Adi, seu namorado, também o faz, mas por diferente motivo: Adi cala-se pelo constrangimento diante das tradições, ritos e dogmas familiares, o que extende a cena para, ao mesmo tempo, adentrar questões sociais.
Porém, a questão central do longa-metragem é o processo de aborto induzido, efetuado com um cuidado que ilustra apenas o necessário do método utilizado, de seus efeitos e de seu resultado para que o espectador tenha idéia do que representa um aborto ilegal. Esse realismo, ainda que ponderado, em retratar o procedimento de um aborto provocado é que a primeira vista denuncia o posicionamento do diretor contra a prática do aborto. Porém, as verdadeiras motivações para seu posicionamento – ao menos no que tange esta situação específica – são sutilmente apresentadas em vários momentos aparentemente inofensivos e irrelevantes da trama: o comportamento insistentemente irresponsável e displicente de Gabriela, gerador de toda a situação que ela e sua amiga enfrentam, é que de fato responde ao partido que Mungiu tomou quanto ao tema.
Foi provavelmente muito mais por declarar sua postura contrária ao aborto sem recorrer ao moralismo barato do que por ilustrar a opressão sutilmente dissimulada do regime socialista que este tenha sido o filme escolhido para receber a Palma de Ouro no Festival de Cannes 2007. A meu ver, “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias” não é exatamente um longa que justifique premiação, ainda mais no universo das produções européias, onde raramente há um ano que passe sem pelo menos um filme arrebatador, mas não há dúvidas que ele se mostra efetivamente competente naquilo que se propõe a discutir, pois até mesmo seus recursos técnicos são aplicados conotativamente ao espírito do argumento e da atuação de todo o elenco – afinal, não é tão difícil perceber que os silêncios tensos, exacerbados pela mais completa ausência de trilha sonora, a fotografia simplista, que reforça a fria impessoalidade dos ambientes internos e a intranquilidade claustrofóbica das ruas sombrias, e a câmera desconcertante, que prima por planos longos e se mantém sempre distante dos personagens, quando não os ignora por completo, servem como companhia fiel ao olhar enfastiado, aliviado e incrédulo de Otília que encerra o longa-metragem.
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legendas (português):
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